Zinemaldia 2026. Palmares

A la segunda, la vencida: Mike Leigh logra la Concha de Oro con “Tender Loving Care”

Desde que se proyectó el primer día en el Kursaal 1, la propuesta de Mike Leigh se erigió como una de las principales candidatas a la Concha de Oro. También hace dos años, con su "Mi única familia", se rumoreaba que pudiera recibir alguna distinción... y se fue de vacío. Ayer sábado, sin embargo, "Tender Loving Care" se alzó no sólo con el premio gordo, sino que recibió hasta otros dos más: Concha de Plata a Mejor Interpretación Protagonista (Kate O'Flynn, ex aequo con otra actriz) y Mejor Guion para Mike Leigh, el director. Ni O'Flynn ni Leigh pudieron acudir a recibir los galardones, así que fueron otros dos actores que participan en el filme quienes los recogieron en su nombre: Paul Jesson y Alice Bailey.

El director británico comentó en un vídeo de agradecimiento que por por razones de salud –que le impiden rodar en el set– tal vez sea su última película. Si a sus 83 años, deja como testamento cinematográfico esta obra, no será una mala despedida.

Izq.: los actores recogiendo el premio Concha de Oro. Dcha: agradecimiento de Mike Leigh

No puedo afirmar que "Tender Loving Care" sea una magnífica película, toda vez que Leigh supedita todo el peso de su acierto tan sólo en su guion y en el muy buen hacer de los cuatro actores. Se señala que la propuesta es una oda a la empatía y al amor familiar. Y así es, pues Amy (Kate O'Flynn) es una trabajadora social vocacional, alegre y optimista, a pesar de que se acabe de separar y vuelva a la casa de su mejor amiga, Rosie (Alice Bailey, espléndida), también como aquella dedicada a los servicios sociales. Amy visita de vez en cuando a sus padres, unos personajes que ya quisieran tener muchos en la vida real. Agradece el espectador que, a pesar de los dramas que se plantean, (separación, trabajo con jóvenes de familias desestructuradas, vejez, soledad), Leigh en su guion no deja, como pueda suceder en otras obras suyas, que salgamos del cine devastados sino con una cierta congoja y, a la vez, con la satisfacción de haber asistido a una historia que le reconforta a uno con la humanidad por haber visto algo tan escaso en la realidad como es la empatía familiar.

Asta Kamma August, Concha de Plata Interpretación Principal, ex aequo

 Mejor fotografía para Oskar Dahlsbakken.

         

La que según muchos críticos debería haber ganado la Concha de Oro, "Growth of the Soil" del noruego Hans Petter Moland, se llevó dos premios, que en verdad saben a poco visto lo visto: la ex aequo Concha de Plata a Mejor Interpretación Protagonista, Asta Kamma August, y también se ha alzado con el Premio del Jurado a la mejor fotografía para Oskar Dahlsbakken. Por cierto, éste seguramente muy sorprendido por los aplausos recibidos al entrar en la sala de prensa del Kursaal tras haber recibido el galardón. Tal vez una muestra de lo que opinaban algunos sobre lo buena que es "Growth of the Soil", una oda a la integración y enraizamiento de una familia en un entorno natural y algo hostil como es la zona de montaña en la que viven Isak y su mujer.

El cineasta Ira Sachs ha presidido el jurado oficial encargado de conformar el palmarés junto al director y guionista Genki Kawamura, la guionista Catherine Paillé, la actriz y productora Alice Braga, la intérprete Patricia López Arnaiz, el actor Bill Skarsgård y el productor Mike Goodridge.

Hasta ahora puedo afirmar que no hubo desvaríos. Pero no hay edición en el Zinemaldia que se otorgue distinciones que dejan "flipado" a los que tienen que luego que escribir sobre el palmarés.

Sobre el Premio Especial del Jurado, que recayó  en "Border", coproducción entre  Hong Kong, EEEU y Corea del Sur, dirigida por el neófito Ah Biao, habría concitado abucheos si se siguiese la tradición de antaño de leer el palmarés ante la prensa a las 12 del mediodía. El jurado justificó que Biao es autor de un trabajo "audaz tanto en su forma cinematográfica como en su explicitud sexual y que, gracias a la rotundidad de su mirada, revela la aparición de un nuevo talento de primer orden en el cine mundial". Por si quedaba duda. No la pude ver pero no hubo nadie de los que conozco que me hablaran bien de ella.

Amanda Kernell, Concha de Oro a mejor dirección

Otra decisión que no concitó mucho entusiasmo fue la Concha de Plata a la mejor dirección. Recayó en Amanda Kernell, autora de "Brace Your Heart", un drama de celos sobre Ejva, heredera del rebaño de renos de su difunto padre, y el jefe local que se enamora de ella.

Este año la cosecha de cine español en el Zinemaldia no era muy boyante que digamos. "Sants" de Mikel Gurrea ni debería haber estado seleccionada. Por su parte, "El mal padre" de Roberto Bueso no concitaba mucho entusiasmo de crítica –tan sólo se salvaba por la actuación de Eduard Fernández y poco más–. La única que ofreció algo de solvencia fue el filme de Javier Caldera. Y así se confirmó al ser Javier Cámara el que fuera reconocido con la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto por su trabajo en "5 minutos más". El actor español ya ganó la Concha de Plata ex aequo con Ricardo Darín, su compañero de reparto en Truman (2015). Cámara agradeció a José Luis Rebordinos que hubiera incluido "esta película de género en la Sección Oficial. Este premio es un reconocimiento a la película de Javier Ruiz Caldera".

Javier Cámara, Concha a mejor interpretación de reparto

No resulta extraño que "El debut" de Jesse Eisenberg se fuera de vacío. Su protagonista, Julianne Moore, y Paul Giamatti tendrán que esperar a que sean nominados a los Oscar para ver lo cegato que andaba el jurado. Dos aspectos pesaban en su contra: su director es judío –ya comprobamos con la manifestación el día de la premiación que Israel no era bien recibido con gritos de "Israel, suntsitu (destruir a Israel)"– y que no es proclive este festival a premiar al cine yanqui, cuya programación siempre suele ser escasa para la potencia cinematográfica que es. Este año sólo una película en la oficial.

Quiero mencionar que no sólo en el Kursaal 1 sino en la sala de prensa hubo aplausos al finalizar la ceremonia y recordar la presentadora que José Luis Rebordinos, director durante 16 años del Zinemaldia, dejaba de dirigir el festival.

OTROS PREMIOS

Y Francia, que suele ser la niña mimada del Zinemaldia, este año tenía tan sólo dos títulos: "Los miserables" y "7h40 ce matin-là", dirigida por Nicole Garcia. Esta última se ha tenido que conformar con el nuevo Premio SGAE a la mejor música original, destinado a una de las películas que compiten en la Sección Oficial. Su compositor, Amine Bouhafa, autor de la partitura. Sin embargo, no era un premio oficial.

Premio mejor banda sonora original 

El Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián, que eligen los espectadores de la sección Perlak, ha sido para "La bola negra (España-Francia)", el filme de Javier Calvo y Javier Ambrossi que en Cannes se alzó con el Premio a la mejor dirección ex aequo con Pawel Pawlikowski (Fatherland). 

Los Javis, premio del público

"La bola negra" me ha parecido un globo hinchado, lleno de expectación inusitada. A mí me aburrió esta historia trágica de amor homosexual entre dos soldados que pertenecen a los dos bandos (republicano y nacional) de la contienda civil española del 36. Mal montada y llena de estereotipos (los del bando nacional del ejército son malos y no saben más que chillar y estar cabreados como si fueran perdiendo la guerra), la obra de los Javis se convertirá en un fenómeno sociológico de los tiempos que vivimos, como pasó con "Los domingos". En mi opinión, ambas no muestran unos valores cinematográficos que las hagan sobresalientes, sino que son reflejos de la polaridad política y social en que vivimos. La diferencia entre ambas es que “Los domingos” era más ecuánime en los puntos  vista que había. 

Los Javis manifestaron tras la gala que una espectadora en el primer coloquio en Donostia les comentó que "La bola negra" era como un hijo que se le quiere antes de nacer. "La gente quiere ir al cine a llorar, a emocionarse, a reír. El estreno ha sido de 1.300.000 euros. Y hoy sábado, va yendo muy bien. Que vaya bien en los cines es algo que me hace una ilusión enorme. Es muy fuerte que eso pase. Aunque lo fuerces, no está en tus manos. Cuando pasa, pasa. Porque a veces hemos intentado que suceda esto, de que todo el mundo vaya en tropel, y hemos tardado más en que la gente conectara. "Paquita Salas", recordemos, hizo un cero de share en Netflix". ¿Les suena? Pues sí, a mí me suena a Pedro Almodóvar, pero en duplicado.

Además, el Premio del Público a la mejor película europea ha sido para NAZA, de Yuval Abraham y Rachel Szor, que ganó el Premio Especial del Jurado en Venecia. Otro premio político más. Algunos creen firmemente que el cine es un arma social y política de adoctrinamiento. Yo no.

Cada nueva mirada, cambia el cine.

Zinemaldia 2026. 7ª jornada

 Hoy he visto un peliculón: “La bendición de la tierra”

El equipo de “La bendición de la tierra” del noruego Hand Peter Moland

Tal vez no sean los programadores sino uno mismo quien, al elegir, el subconsciente le lleva a una selección representativa del momento en que vive. La jornada 6ª veo que tiene un asunto común entre las cuatro elegidas:  la supervivencia. 

En el caso de “En el corazón de la bestia” del impersonal (artesano se decía antaño) David Ayer –y protagonizada por Brad Pitt y un perro, en realidad cuatro por eso de los sindicatos perrunos– se ha de afrontar dos retos de supervivencia: la de las cicatrices emocionales de su pasado bélico y las que la naturaleza en Alaska les tiene guardadas en ese viaje en hidroavión para pasar unos días apacibles. Porque ya se sabe que un relato de aventuras no es más que unos personajes agarrándose a la larga cuerda aventurera y anudarla cada vez que un evento dramático la rompe, so pena de perder la vida. “En el corazón de la bestia” se ve y se olvida con cierta facilidad. En la rueda de prensa posterior me habría gustado saber de boca de Brad Pitt si le llamó a Leonardo di Caprio para saber por lo que iba a sufrir como le pasó a él en “El renacido”. Bueno, Ayer no se las gasta como el mejicano González Iñárritu, aquel prefiere más el cine hollywoodiense. Película para amantes de los perrihijos. No he visto a Brad Pitt recibir y dar besos a mujeres como los que da y recibe de su perro con pata postiza en esta película. 

¡Braaaad Piiiiitt!

A la salida del Kursaal, un compañero me comentaba que cómo era posible que este tipo de películas estuvieran en la Sección Oficial (fuera de concurso en este caso). Pues es muy claro, si usted quiere tener a estrellas como Brad Pitt, que van a alterar la tensión arterial de muchos donostiarras, Rebordinos tendrá que ofrecerle algo a cambio: la promoción de su nueva película.

Pocas veces el público del Kursaal 1 es dado a aplaudir en medio de la proyección. Ha pasado este mediodía en una secuencia que pasará a los anales de la historia del cine entre Paul Giamatti y Julianne Moore en “ El debut”. Su director se llama Jesse Eisenberg y su anterior y segunda película, "A Real Pain", tuve el placer de disfrutarla en 2024 en la Seminci con una buena combinación de comedia y drama.

Al igual que la anterior, "The debut" tiene el aroma de las películas que triunfan en el Festival de Sundance. Esta propuesta de Jesse Eisenberg, que también aparece en un pequeñito papel, narra la historia de Mona Fiedman, una ama de casa de clase media con un marido y dos hijos que están a punto de graduarse, pero que no la valoran lo suficiente. Se apunta para aspirar a un papelito en una obra teatral de aficionados en New Jersey. “El debut” propone un interesante y entretenido juego de máscaras: las que nos ponemos en la realidad y con las que se caracterizan los actores. Giamatti, viejo zorro y director teatral, sabe que Mona Friedman es un diamante en bruto pero que su autoestima no la deja explotar todo ese potencial. De ahí que su papel en el musical de un conserje de comunidad le va a permitir (como si de un manual de autoayuda se tratase, lo que para mí es lo peor de este buen filme) que su autoestima se afirme y surja un personaje que le dará unos improvistos problemas al director de la función.

Jesse Eisenberg en la rueda de prensa de su película "El debut"

Decir que Julianne Moore está soberbia (tímida, frustrada y carente de amor por sí misma al inicio; empoderada, vital y renacida, en una transformación muy típica del cine yanqui, después) y que Paul Giamatti como el director Jerry, que hace de Giamatti, le da contrarréplica oportuna y eficaz, no es decir gran cosa por su obviedad. Moore es desde ya una clara aspirante a premio en el Zinemaldia. Veremos si viene a recogerlo.

La revelación del 74ª Zinemaldia ha venido a las 15:30 en el Kursaal con una película en Sección Oficial y de más de dos horas y media titulada "Growth of the Soil" (o por el subtitulado en castellano "La bendición de la tierra"). Su director noruego se llama Hans Peter Moland y su filmografía anterior no es para echar cohetes. Así que esto  o ha sido un milagro, o ha podido por fin hacer su película, o vaya usted qué astros se han alineado para que salga esta notabilísima obra. La hora invitaba a sestear, y qué quieren que les diga: sesteé en la primera hora. Su escritura fílmica era proclive a ello: poco diálogo, escasísima banda sonora salvo en los momentos precisos y oportunos, planos de cadencia lírica y contemplativa. Todo esto no lo comento como crítica, sino que no favorecían que mis ojos estuviesen bien abiertos por culpa de una sopa de verduras, un cordón bleu (vamos el san jacobo), arroz con leche y media botella de vino en buena compañía... masculina.

Sospecho que la gran duración se ha debido a que habrá querido adaptar en su gran extensión la novela homónima del premio Nobel noruego Knut Hamsun, cuya edición por parte de Nórdica en su primera edición de 2015 tiene 362 páginas.

El equipo de "La bendición de la tierra" tras la exitosa proyección en Kursaal 1

"La bendición de la tierra" arranca en un tiempo lejano, que pudiera ser finales del s. XIX en un medio hostil como es la zona montañosa en la que aparece nuestro personaje: un desconocido cargando con poco más que su propia determinación de nombre Isak, un hombre sin pasado, y que busca un lugar donde asentarse y labrarse una vida trabajando la tierra. En el arranque vemos cómo se topa con una mujer de labio leporino (aspecto que tendrá gran relevancia en la historia) que quiere cruzar la montaña. Él al ver una figura humana agarra una piedra, pero al reconocer una figura femenina la deja caer. Ella, sin embargo, al ver a un hombre hace lo propio y no la soltará hasta comprobar que mayor enemigo son las condiciones meteorológicas. 

Peter Moland muestra una escritura fílmica notabilísima, donde los planos, las lacónicas frases, la interpretación de Herbert Nordrum y Asta Kamma con sus miradas, el paso del tiempo y el uso del desenfoque y los focales de cámara, por ejemplo, hace que "Growth of the Soil" te vaya ganando por completo... a pesar de la puta hora ¡porque no quieres dormirte ante el milagro que contemplan tus adormilados ojos! 

Quiero ponerles un ejemplo. Cuando por ciertas circunstancias la esposa está ausente en la mesa donde se sienta la familia, la escena está filmada con un plano desde el plato vacío de ella y, al fondo, el resto de los miembros desenfocado. Tiempo después, cuando las circunstancias han cambiado para ella, ese plano reaparece: ella sentada en el lugar presidencial donde se sentaba él, a trasluz del ventanal, luminosa, henchida de estima; él, en cambio, en el lugar de aquel plato, en la completa oscuridad tanto física como emocional. Debería estar en el palmarés.

El equipo de "Más allá de la sociedad" con J. A. Bayona con el micrófono

Acabo esta crónica con la presentación por parte de Carlos Torres de su serie documental para Netflix de "Más allá de la Sociedad" en el Principe 7 con la presencia también de J. A. Bayona, que ha participado en la creación. Me picaba la curiosidad por ver qué más se podía relatar después del gran éxito que tuvo Bayona con "La sociedad de la nieve" que arrasó en los Goya 2024 y fue candidata al Oscar a película internacional. Creía erróneamente que se trataría de aprovechar en cierto modo todos esos miles de minutos que grabó para la película. En parte así es, pero hay mucho más.

El accidente de los Andes no terminó con el rescate. Hay otra parte que empezó cuando los supervivientes regresaron al barrio donde les esperaban las familias de quienes no volvieron. Mientras el mundo convertía su tragedia en un relato universal, ellos tuvieron que aprender a convivir con el peso de lo que habían hecho. La serie recorre en tres capítulos medio siglo de una comunidad marcada por la grieta entre vivos y muertos. Los títulos ya indican cómo Torres y Bayona han abordado el proyecto documental: "Los vivos", "Los muertos" y "Los cuentitos". En otras palabras, se trata de dar testimonio de los que 16 que sobrevivieron; de dar voz, a través de testimonios de algunos familiares, de los que murieron (especial mención a las madres que abrieron una biblioteca para los más necesitados en memoria de sus fallecidos, un modo de desahogarse). Y, por último, la explotación en los medios y la plasmación de la tragedia a través de un libro al ver que había sinfín de subproductos sensacionalistas y fantasiosos. El libro que recoge horas y horas de grabación de los supervivientes fue ¡Viven! del historiador británico Piers Paul Read, que no sabía ni papa de castellano. Posteriormente, se cuenta la adaptación al cine de la mano de Frank Marshall en 1993 y sus consiguientes derivadas. No sé si el final abordará la obra de Bayona, pues me tuve que ir o perdía el autobús rumbo a Bilbao. Lo que habría supuesto un pequeño drama.