Resaca semincera

 ¿Es la Seminci de Valladolid adoctrinadora?

 

 

 

Tras haberme tragado (en algunos casos degustado) 32 largometrajes en nueve días en Valladolid, necesito depurarme tomando una buena dosis de alcohol. Los beneficios de la droga llamada "cine" desgraciadamente no duran mucho en el tiempo. Sé que me voy a enfrentar a las sempiternas preguntas de los parroquianos del bar Stop de Astrabudua: qué tal lo pasaste, que si viste a fulanito, a menganito o a zutanito, qué me recomiendas ver, que si follaste mucho... Y, lo peor, cómo les cuento que de las películas que el ecuánime, entendido y sesudo jurado ha elegido elevar al altar de la inmortalidad humana hay varias que no he visto.

Así que acudo al Stop a esa franja del domingo donde los moscones ya han volado del local: la hora cercana al cierre. Es ahí cuando a Cecilia, la dueña del barcito –como diría Vargas si estuviéramos en Perú–, la suelo pillar más habladora.

—¡Hombre, alabado sean mis ojos que te ven! ¿Dónde has andado?

—En la Seminci, Ceci, nueve días.

—¿En la qué...?

—En la Semana Internacional de Cine de Valladolid.

—Yo en la TTDS.

—¿En la qué?

 Me mira fijamente, dejando un breve espacio de silencio a lo Eastwood antes de escupir el tabaco mascado en forma de palabras aceradas de malhumor:

—Trabajando Todos los Días de la Semana. Ese es mi Festival. ¿Qué te pongo?

Le pido un Licor 43 con Coca-Cola. Necesito paladear el dulzor que la vida se empeña en escatimarme y me siento a la espera de que me lo traiga. En ese instante, en que con la espalda contra la pared y tras un saludo de cabeza a un parroquiano sentado a distancia, me llega un whatsapp del grupo de cinéfilos de Valladolid. Es un enlace a una noticia de elDiario.es con el siguiente titular:

«El consejero de Cultura de Vox cuestiona la neutralidad ideológica de la Seminci y acusa al festival de "instrumentalización política"».

En la entradilla puedo leer que «Díaz Pico asegura que desea recuperar el espíritu de la edición de 1982, cuando se premió a Tarkovski, "anticomunista y antimarxista", mientras que el PSOE le acusa de cuestionar la libertad artística y de comportarse como un "cuñado de barra de bar"».

Doy un respingo al leer esto último. No sé por qué. Tampoco tengo hermanas. Y tras acercarme Cecilia el Licor 43 (instantáneamente me viene el lema publicitario de aquellos años setenta, "Guerra  a la vulgaridad"), me pongo a reflexionar. ¿Tendrá razón este Díaz Pico? ¿Se habrán convertido los festivales de cine en un arma ideológica? Los 103.000 espectadores que asistieron a alguna de las sesiones es una buena oportunidad para influir en ellos. ¿O no? Tal vez ya estuvieran convencidos. Y por eso asisten. Dejo los asistentes escolares: esos van por obligación. 

Desde luego, tan sólo recuerdo que en una película, española titulada Un hombre en un puente, el protagonista, Andrés, que está pasando por una mala racha, le confesara a una antigua amiga que si se había metido a delegado sindical en la empresa era porque se "trabajaba menos". Parte de sus problemas económicos venían de la promesa, por parte de un concejal de urbanismo, de la recalificación de unos terrenos que había comprado, pero todo se había complicado. Vamos, un poco de crítica política y sindicalista de refilón.

¿Y las demás películas?, reflexiono mientras tomo un trago de mi bebida setentera. Saco mi libreta y voy anotando sucintamente en una columna las películas seleccionadas a competición en una columna y añado otra con descriptores para ver los temas o asuntos esenciales que abordan. Y una vez anotado todo, me tomo otro trago y se lo muestro a Cecilia, previa explicación.

 

1. Dao ........................................................ Inmigración, racismo, colonialismo.   
2. La Gradiva ............................................ Adolescencia, homosexualidad. 
3. Aquí ....................................................... Paternidad, infancia.
4. La libertad doble .................................... Familia, trabajo.
5. Un bon petit soldat ................................ Familia, trabajo, capitalismo empresarial    
6. Un hombre de nuestro tiempo ............... II Guerra Mundial, colaboracionismo nazi.
7. Everytime .............................................. Maternidad, adolescencia
8. My Notes on Mars ................................ Romance, Ciencia ficción.
9. I rarely Wake Up Dreaming.................. Transexualidad/transgénero, Rusia-Ucrania
10. A bit of Light ........................................ Trabajo, suicidio, represión estatal
11. Cartas de Estado ...................................  Familia, represión estatal.
12. Hermanas .............................................. Abusos sexuales.
13. La violinista .......................................... Bélico, romance.
14. Las islas afortunadas ............................. Esclavismo, supervivencia.
15. Mr. Nelson, Did You Kill People? ........ Guerra de Vietnam, estrés postraumático.
16. Prosecution ............................................ Racismo, xenofobia, neonazismo.
17. Queen at sea .......................................... Vejez. Alzheimer.
18. Rose ....................................................... Transexualidad/transgénero, feminismo.
19. The Echo Chamber ................................ Drama romántico, enfermedad.
20. Un monstruo amable .............................  Pederastia.
21. We are All Strangers .............................  Familia, paternidad.
22. Mujer desconocida ................................  II Guerra Mundial, colaboracionismo nazi
23. Detrás de la lluvia ................................. Abusos sexuales.
24. Elsinore ................................................. Sida, homosexualidad.
25. El confidente ......................................... Terrorismo.

 Cecilia se me queda mirando y me pregunta:

   
—¿En ver esto dedicas tus vacaciones? —haciendo hincapié en esas palabras.

—Cada uno tiene su pasatiempo, Cecilia —le respondo conciliador—. Es una manera de entender las preocupaciones de la sociedad en cada momento, los latidos de los nocturnos desvelos, las inquietudes sociales acurrucadas sobre la almohada. Van cambiando... creo.

—Pues las mías, expresadas con menos literatura que tú, desde hace años son las mismas, pagar las facturas, los impuestos y sacar mi negocio adelante con mucho esfuerzo, cariño —responde contundente.

—¿Tú crees que viendo esta lista dirías que la Seminci es adoctrinadora?

—Sida, abusos sexuales, esclavitud, enfermedad, racismo, colaboracionismo nazi, transexualidad... —lee los temas escritos de mi puño y letra—. No sé en qué mundo vives, pero no me gusta. Sal de las pantallas festivaleras y ven más a menudo al Stop —me aconseja maternalmente.

Quiero hacerte una pregunta, Cecilia:

—Si tuvieras que adoctrinar en tu bar, ¿cómo lo harías?

Me mira como auscultando la pregunta que le he hecho y, tras unos momentos en los que pienso que no sé si me ha entendido la pregunta, me responde:

—Si quiero adoctrinar a mi parroquia en una vida más sana, les ofrecería alternativas refrescantes sin alcohol ni exceso de azúcar, hijo. Pero si quiero mirar por mi negocio, bebidas espirituosas, licores como el que estás tomando tú.

Le di las gracias, apuré mi Licor 43 con Coca-Cola y salí a la calle. No sé qué edad tendrá el voxero Díaz Pico, pero la mía es provecta y recuerdo aquel otro lema de los 70 para anunciar una de mis bebidas preferidas:

«Si eres libre para vivir, eres libre para elegir: ven a Pilé 43*».

Me quedé rumiando si mi Ceci era más de izquierdas (de zumo de tomate, birras sin alcohol) o de derechas (sol y sombra en copa de balón). Bien mirado, las botellas destiladas engalanadas con una luz trasera ejercían sobre el cliente tal atractivo cual rubia en taconazos paseando con garbo por la acera de la calle Consulado de Bilbao. ¿Por eso los botellines de zumo de melocotón se guardaban en neveras, alejadas de la visa de los clientes erotómanos?

Seminci 26. Palmarés

 ¿Y si usáramos la inteligencia artificial para elegir el palmarés?

 

 Dao, la película del cineasta franco-senegalés Alain Gomis se alza con el máximo galardón de la 71ª edición de la Seminci, mientras que La Gradiva, de Marine Atlan, recibe la Espiga de Plata y una mención especial reconoce a Aquí, de Tiago Guedes

 

Alain Gomis, director de la Espiga de Oro, Dao

 

La 71 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) dio a conocer su palmarés, encabezado por Dao, del cineasta Alain Gomis, que ha obtenido la Espiga de Oro de la Sección Oficial Internacional. Dos acontecimientos separados geográficamente, pero unidos por sus protagonistas, articulan la película ganadora: una boda en Francia, en una familia de ascendencia africana, y un rito funerario en Guinea-Bisáu reúnen a sus comunidades en torno a la celebración y la despedida. A través de personajes de ficción, personas reales y testimonios de la propia comunidad, el cineasta franco-senegalés reconstruye las historias de quienes se fueron y quienes decidieron quedarse.

La 71 Seminci concluyó el sábado con el estreno en España de Hombre al agua, de Gael García Bernal, poniendo fin a una edición con la participación de más del 90% de los cineastas programados en las secciones oficiales. En un primer balance provisional, el festival ya ha alcanzado los 100.000 espectadores a las salas de Valladolid.

 

Sección Oficial Internacional

El jurado de la Sección Oficial Internacional, integrado por la productora italiana Francesca Andreoli, el compositor francés Grégoire Hetzel, el programador y escritor Dennis Lim, la cineasta y productora española Elena Manrique y el realizador uruguayo-español Federico Veiroj, ha concedido la Espiga de Oro a Dao, de Alain Gomis, coproducción de Francia, Senegal y Guinea-Bisáu.

El jurado ha destacado su «singular forma cinematográfica», en la que «el ritmo, la duración y el movimiento crean una atmósfera a la vez íntima e inmersiva». El fallo subraya que el extraordinario logro de la película reside en «evocar un espacio libre, abierto y poroso entre la ficción y el documental, en el cual lo personal y lo colectivo, lo visible y lo sensible, resuenan con una intensidad hipnótica».

Marine Atlan, directora de La Gradiva

 

 La Espiga de Plata ha recaído en La Gradiva, de Marine Atlan, coproducción de Francia e Italia. El jurado ha reconocido su «riqueza narrativa», que combina «con maestría el naturalismo y lo novelesco, los arrebatos líricos y las profundidades mitológicas, las verdades sociológicas y los vértigos metafísicos», y ha destacado especialmente su elenco de actores y actrices.

El jurado ha concedido también una mención especial a Aquí, de Tiago Guedes, una obra de «ambición visual y narrativa» que, a través de un universo casi atemporal, transforma su material de partida en un mundo plenamente propio, guiado por la valentía artística.

El Premio Ribera del Duero a la mejor dirección ha reconocido al cineasta argentino Lisandro Alonso por La libertad doble, coproducción de Chile, Argentina, Luxemburgo, Alemania y Reino Unido. El jurado ha destacado su «convicción cinematográfica y su capacidad para transformar el lenguaje contemplativo en una experiencia cómplice».

 

Alba Rohrwacher

 

 En el apartado interpretativo, Alba Rohrwacher ha recibido el premio a la mejor actriz por su trabajo en A Good Little Soldier, de Stephane Brizé. El jurado ha destacado su interpretación «sensible y completa» de Carla, una mujer ejecutiva ambiciosa atrapada en un mecanismo de dominación en el que es «a la vez cómplice y víctima, verdugo y oprimida», y ha señalado que la sutileza de su trabajo «es más que una interpretación: es una encarnación».

El premio al mejor actor ha recaído en Swann Arlaud por Un hombre de nuestro tiempo, de Emmanuel Marre. El jurado ha reconocido su «extraordinaria capacidad para retratar a un hombre impulsado por la ambición y el idealismo» y su interpretación «sutil y profundamente convincente», que revela las contradicciones y los compromisos morales de un hombre corriente atrapado en tiempos extraordinarios.

El film de Marre ha obtenido también el Premio Renault Group a la mejor dirección de fotografía para Oliver Boonjing. El jurado ha valorado su capacidad para retratar «con gran elegancia un tiempo pasado», mediante un lenguaje dinámico y contemporáneo en el que pasado y presente se superponen visualmente, acercando la historia y sus personajes a los códigos narrativos actuales.

Everytime

Sandra Wollner ha recibido el Premio Miguel Delibes al mejor guion por Everytime, por su «creativa exploración del duelo y la memoria en un mundo mediado por la tecnología digital» y su indagación «sutil y perturbadora» sobre cómo la pérdida transforma nuestra percepción del tiempo y de la realidad.

El Premio José Salcedo al mejor montaje ha distinguido a Guillaume Lillo por La Gradiva. El jurado ha destacado cómo el ritmo de la película «se construye de la mano de las emociones», manteniendo un pulso dinámico entre lo que sucede dentro y fuera de los personajes y logrando que el espectador forme parte de ese viaje emocional.

Comentario final

 De las 22 películas que concursaban en la Sección Oficial, descarté dos películas por su duración (Dao de 185 minutos y la portuguesa Aquí de Tiago Guedes de 205 minutos). Y a última hora del penúltimo día me decanté por ver la ganadora de Sitges en lugar de la autro-alemana Everytime. Como ven tengo buen ojo para descartar aquellas que algún premio o mención se llevan.

A última hora de la tarde, un periodista del Diario Vasco me preguntaba si había visto la ganadora, pues no conocía a nadie que la hubiera visto. Pregunté entre el grupo de informadores de whatapps. La mayoría no la vieron, hubo dos que la anularon el día antes y tan sólo tres que habían decidido verla: dos con opiniones negativas y una, positiva. De los primeros, uno comentaba lo siguiente:

"Aguanté 120 minutos y creo que cuando me fui los personajes estaban en el mismo sitio al final de la película, a decir de quienes la vieron hasta el final. Durante ocho años robada los fines de semana para un fotógrafo local de bodas. Creo que lo hacía mejor que el director Alain Gomis".

Y el otro compañero:

"Le sobre hora u hora y media".

 Y el que opinó favorablemente comentó:

"Es una película ficción/documental de extremos. Si no entras en ella puede ser un martirio, que es lo que me pasó con  «Un hombre de nuestro tiempo»".

 No me sorprende que el cine español se haya ido de vacío, pues las tres propuestas (Hermanas de Ione Hernández Sáenz, La violinista de Ervin Han y Raúl García y Las Islas Afortunadas de Helena Girón y Samuel Delgado) estaban a un nivel muy por debajo de otras candidatas en mi opinión, como pudieran ser en orden de calidad: Mujer desconocida, A Good Little Soldier, We Are all Strangers, La Gradiva o Queen at Sea.

Estupefacción produce que el argentino Lisandro Alonso se haya llevado premio a la dirección. Pero ya no nos pilla desprevenidos. Lisandro señalaba hace años el anhelo de que sus films llegaran al gran público, y sugirió que esto no ocurría debido a que contaba con un presupuesto de lanzamiento acotado. "No creo que haga películas para festivales. Yo quiero que las vea el mayor número de gente posible. Pero igual no tengo la cantidad de dinero que tienen otros para promocionarlas", manifestaba. Con su última película, Lisandro seguirá la misma senda: su cine tan sólo se verá en los festivales. El público le dará la espalda. Y con razón.

No quiero ser mal pensado y pensar que el premio tiene algo de premio político y una manera de darle con la motosierra en la cara al presidente Javier Milei. El protagonista, un hachero llamado Misael Saavedra, se dedica la primera parte del filme en talar un árbol con una motosierra (!); la segunda parte, se dedica a sacar a su hermana de un manicomio porque ya no hay guita pública para mantener la institución pública. ¿Lo pillan? 

Aciertan, en la única decisión que puedo compartir, en el premio interpretativo a la actriz italiana Alba Rohrwacher, que junto a Vincent Lindon son los únicos que me hicieron reír a mandíbula batiente durante el festival. Sospecho que algo habrá empujado la miembro del jurado Francesca Andreoli, productora italiana que produjo pelìculas de Alice Rohrwacher, hermana de la actriz premiada. 

Ya que elijan al actor Swann Arlaud, que está en una película como Un hombre de nuestro tiempo que es un horror y, para más inri, le otorguen además el Premio a la Fotografía por alumbrar en muchas escenas con un único foco, dejando el resto en sombra, me parece una tomadura de pelo. Supongo que el compositor francés Grégoire Hetzel, compositor de más de cien bandas sonoras y nominado a cinco premios César, habrá tenido algo que ver.

Una pena que se haya perdido la oportunidad de premiar a título póstumo al actor Manolo Solo, que realiza una interpretación de enorme ternura. Pero este año, Francia se iba a llevar los premios gordos. Una manera de aplacar la ira estudiantil mostrada en las calles.

La Gradiva es una película francesa de Marine Atlan sobre un grupo escolar de adolescentes que viajan a Nápoles y Pompeya. Atlan debió rodar cientos de horas para captar esa espontaneidad que hace que su filme rebose frescura. Su premio al montaje, junto a la Espiga de Plata, me parecen acertados, pues ese viaje está muy bien estructurado en situaciones que poco a poco van ganando en interés hasta un final que deja huella, no solo en los estudiantes de la historia, sino en el mismo espectador. Y eso que dura 145 minutos.

Como ven el cine francés ha acaparado la mayoría del palmarés. ¿Qué habría pasado si le hubiéramos preguntado a la IA para decidir el palmarés? Tal vez habría estado más acertado.

Les dejo aquí la votación en FilmAffinity que han otorgado a las películas ganadoras y a las que a mí más me han gustado. Veremos si dentro de unos meses, cuando se estrenen (si es que se estrenan), la evolución de la puntuación. No es necesario apostar nada para saber quién ganará. ¿Lo dudan?

Dao. Espiga de Oro   .......…………….     5,6 (36 votos)    
La Gradiva. Espiga de Plata. …………….7,2 (166 votos)    
Aquí. Mención Especial del Jurado ......    5,6 (24 votos)   
La libertad doble. Dirección      ..............    4,2 (45 votos)
A Good Little Soldier. Actriz    ...............    7,3 (60 votos)
Un hombre de nuestro tiempo………. .....    6,0 (69 votos)

(Actor y Fotografía)
Sandra Wollner por Everytime. Guion....    6,2 (56 votos)

 

MIS FAVORITAS

(Incluidas las anteriores que están en amarillo)

Mujer desconocida de May el-Touky    ...... 7,0 (99 votos)

We Are all Strangers de Anthony Chen ....   7,1 (54 votos)

Queen at Sea de Lance Hammer ..............   7,2 (91 votos)

Un monstruo amable de Marie Kreutzer...   5,7 (55 votos)              
 

 

Mujer desconocida, León de Oro y Mejor Actriz. Tal vez por eso no recibió mejor trato en la Seminci

 

 

 

 

 

Seminci 26. Día 8

Último día de Seminci: ni fu ni fa ni re, mi sol

Supongo que a la hora de la clausura traer la figura actoral y, en este caso además autoral, de lo mejicano Gael García Bernal es una manera de dar buen cierre a la 71ª edición de la Seminci vallisoletana. Otra cosa es que «Hombre al agua» sea el mejor broche de cierre. García Bernal tuvo la chingada suerte de participar en dos obras notables en 2000 y 2001. Se trata de «Amores perros» y «Y tu mamá también». Sospecho que a partir de ahí la carrera se empinó cuesta abajo. 

Esta farsa sobre Camilo, un salvavidas cubano que tiene la chamba de salvar a un empresario y posteriormente casarse con la insufrible hija del mismo, es un conglomerado de ingredientes que a la mayoría se puede hacer indigesto. El ascenso social en una sociedad tan desigual como la mexicana, los roles actuales de la figura masculina, las apariencias frente a la verdad y el uso del metacine están apuntados. Lo que sucede es que esta comedia se aleja de los parámetros del realismo naturalismo y es difícil de que el espectador entre a jugar en el juego que propone su director-actor y el dramaturgo argentino Mariano Pensotti. No ayuda tampoco a la variedad de actores de diferentes países en una mezcolanza que desorienta y deja atónito a uno.

La segunda película también procede de Hispanoamérica, en concreto de Argentina. Lisandro Alonso es de esos directores que solo subsisten en los festivales autoreales. Su cine es tan contemplativo como estar rezando al Cristo de los Desparados durante dos horas sin mirar a derecha ni a izquierda. Es la primera proyección en la que escuché patalear. No es de recibo que asistamos a ver al hachero Misael Saavedra posar y cortar finalmente un árbol ¡con la motosierra! ¿Pillan la crítica a Milei? Y por si fuera poco se tiene que hacer cargo de su hermana porque ya no hay plata pública para mantener en centro de salud mental en algún sitio perdido de la Pampa. ¿Lo pillan? 

La última de la Sección Ofical que hemos visto ha sido «A bit of light» del iraní Ali Asgari. La mala hora (cuatro de la tarde) y el vino Ribera del Duero que anuncian todos los días en las pantallas de Seminci no favorecen el visionado en modo on de ojos y cerebro. Ha gustado bastante menos a mí. Así que siempre tengo la duda (in dubio pro reo) de que me he debido dormir más de la cuenta.

Trata de un médico al que las autoridades iraníes le cancelan su consulta porque ha ayudado a atender a algunos manifestantes heridos. Lo único que acierto a  ver es cómo un actor con cara de sufrimiento perenne e inmutable entra en la consulta que está precintada para firmar una receta para un paciente. Logró captar entre los ojos adormilados que el hombre quiere suicidarse y así se lo va contando a sus familiares. ¿Será capaz en la cena última de comunicárselo a su madre?

Me parece otra obrita hecha con pocos medios y soy incapaz de ver los méritos que otros compañeros más inteligentes y sensibles que yo han captado, incluida la señora mayor que está a mi lado y que lagrimea en algún momento. Eso sí, previo haber echado antes su cabezadita. 

Les cuento para finalizar que me colé en el estreno mundial de «El confidente» de Daniel Calparsoro. Se adentra en los últimos tiempos de la ETA y vuelve a lo que parece que mejor sabe hacer: thrillers, en este caso político. Arranca bien, se desarrolla con relativo interés y en el tramo final es cuando vuelve a  remontar. Javier Gutiérrez y Miguel Hernán seguramente estarán nominados por encarnar a un veterano policía nacional aquel y a un etarra que tendrá que traicionar a los suyos (o convertirse en un confidente desde la óptica del otro bando), este último. 

La relación entre ambos puede que esté algo mejor construida. Sin embargo, el papel de Miguel Herrán y su transformación a confidente no me queda muy convincente. Eso sí, atentos al final de la película y lo que se dicen ahí ambos. Le gustará oírlo mucho a Javier Pérez Reverte. Eso de país de mierda, que ni los unos ni los otros defienden a los héroes. Ya me entienden. 

Seminci 26. Día 7

Jueves de pasión (de sufrimiento, aclaro)

Tras haber asistido al visionado de anteriores propuestas del cine español en la Seminci (alguna deplorable), hemos podido ver en el teatro Calderón «Un hombre en un puente», que ha constituido a la postre lo más reseñable de una floja jornada. La película de David Martín De los Santos relata la caída de Andrés. A lo largo del metraje vamos asistiendo cómo nada le sale bien: la pérdida de trabajo, la falta de ayuda de su hermano, las deudas, el fallecimiento de su mejor amigo… Gracias al actor  Roger Casamajor, el director le permite sacar petróleo en una puesta en escena bastante plana. Eso y los encuentros (especialmente con una amante interpretada por Belen Cuesta) cara a cara con los diversos personajes que se encuentra en su regreso a su pueblo natal es lo más reseñable.

La ausencia de apoyo en momentos jodidos hace, a pesar de que Andrés no es trigo limpio del todo (“me metí a representante sindicalista porque se trabajaba menos”, confiesa) que como espectador quieras que algo le salga bien. El título es una metáfora de lo que va a ser la historia de este tipo que quiso dar el pelotazo en plena pandemia de COVID metiéndose a agente inmobiliario. Al salir de la proyección, tuve que explicarle a un conocido ex responsable de la Seminci que el título alude a la situación cuesta abajo de Andrés. Si alguien lee “Un hombre en un puente” la mente lo asocia con la siguiente imagen: lanzarse por él al agua. Tendrán que ver si la película acaba por sendas tan desesperanzadas.

Es una producción pequeña y eso, como pasa últimamente con el cine español, juega en su contra.

Me resulta sorprendente que a estas alturas un director japonés, Shinya Tsukamoto, se embarque en una historia de un marine negro que participó en la guerra de Vietnam. Explora la devastación de la guerra en los soldados que participaron en ella. Basada en el testimonio de Allen Nelson, un joven negro reclutado para parcipar en esa contienda que tantas cicatrices dejó en la sociedad americana. Tsukamoto aborda de un modo poco convincente en mi opinión la vida rota de Allen, sus esfuerzos por recuperarse con conversaciones terapéuticas con un psiquiatra (Geoffrey Rush) y recuerdos en forma de flash back de las encarnizadas enfrentamientos con los vietnamitas. En sus sesiones con el psiquiatra, este le pregunta “Mr. Nelson, Did you kill people?”, título de la película, y la respuesta es que porque estaba en una guerra. La profundización en el tema le hará ver que, como les pasó a muchos norteamericanos de origen humilde, volcaban su odio y frustraciones en matar a los chinos amarillos como les llamaban despectivamente a los del vietcom.

Creo que Tsukamoto está más acertado en las escenas bélicas que en la trama que sucede en Estados Unidos con un soldado que sufre lo que posteriormente se llamó estrés  postraumático. 

Una de las películas más flojas dentro de la sección a concurso es «Un hombre de nuestro tiempo», incomprensiblemente galardonada en Cannes con el premio a Mejor Guion. Película de 158 minutos al que le sobra metraje y le falta una narración más coherente y con mayor sentido. En 1940 Hemri Marre, ingeniero entusiasta del mariscal Petronas, deja a su esposa e hijos en Paris, ocupada ya por los nazis, y viaja a Vichy para unirse al gobierno colaboracionista. 

Tiene tintes autobiográficos del director Emmanuel Marre pero la manera de narrarnos las peripecias de su abuelo se hace pesadísima e incomprensible por momentos. La introducción de la voz en off de su esposa leyendo las cartas que le envía no mejora mucho más el interés por una obra que se nota la falta de presupuesto. 

Supongo que los franceses (algunos) tienen la espina clavada de no haber plantado frente a Hitler. Esa postura meliflua sigue supurando en estos tiempos en que parece que Europa se escora hacia el conservadurismo. Y quien sabe si hacia algo peor.

Por último, la noche me dispuse a ver un documental titulado «Cameron Winter at Carnegie Hall» de Paul Thomas Anderson. Que lo dirigiera él y que durase 71 minutos a estas alturas del festival es lo que me motivó. Filma en 35 y 16 mm la actuación en solitario de un chaval de 23 años llamado Camerón Winter. No tenía ni idea de su existencia. Compruebo que es el líder de un grupo musical llamado Geese y autor del celebrado Hesvy Metal. El escenario es el Carnegie Hall de Nueva York donde uno se hace mayor artísticamente. Me sorprende que las interpretaciones de las canciones lo haga no de cara al público sino de espaldas a él. 

Thomas Anderson rueda el concierto del cantante delante de un piano con pocas cámaras y de manera muy austera. Nada que ver con el festival de Eurovision, se los aseguro. 

Su forma de cantar como si fuera un indio arapahoe con letanías alargadas y en tonos agudos a mi me deja frío. Pero reconozco que el tipo toca bien el piano y tiene buena voz. No es mi música. 

Seminci 26. Día 6

Lo mejor, un documental de 175 minutos sobre la URRS

Si tengo tiempo al final de esta edición 71 de la Seminci, haré un resumen de la temática de la Sección Oficial y me dirán por dónde van los tiros cuando se hace una selección. Este festival que se dice de autor tiene la suerte de programar películas que hayan sido programadas y/o premiadas en otros festivales de renombre. Creo que en muchas ocasiones se confunde el cine de autor con el cine de denuncia o de tesis. 

Es el caso de «Prosecution», segunda película de Faraz Sahariat. Una joven fiscal germano-coreana es agredida al recibir un cóctel molotov cuando paseaba en bicicleta. Ella cree que se trata de un atentado con tintes racistas por parte de un grupo nazi. Aunque le recomiendan dejar las investigaciones en manos del fiscal superior, ella (actuación vigorosa y resolutiva con aires de heroína de Chen Emile Yan) no cree lo mismo. Cruzará algunas líneas ilegales para poder desentrañar que ciertos miembros de la justicia alemana miran con cierta condescendencia hacia los movimientos de extrema derecha. 

El filme tiene unas hechuras de thriller político poco corriente, según el director, en la cinematografía alemana. Aunque se ve sin que el aburrimiento aflore, molesta en demasía el uso de una fórmula ya vista mil veces y una demagogia demasiado evidente. Ya me entienden: malos malísimos versus buenos buenísimos. 

El tema de la pederastia no podía faltar en un festival que se precie. Ya nos informan en los postcreditos de «Un monstruo amable» que se estima que en Europa uno de cada cinco niños han sufrido una agresión sexual. Y, además, el 85% de ellas suceden en el entorno familiar. 

Marie Krautzer nos relata en un drama absorbente y de buen ritmo cómo un día una familia recibe la visita de la policía. Acusa al marido de Lucy de un crimen y le incautan todo el material que haya en la casa para ser examinado. La acusación abre una grieta que va a desestabilizar la estabilidad de la pareja, puesto que Lucy (una muy convincente Lea Seydoux) desconfiará de su marido y, posteriormente, le entrarán dudas de su culpabilidad en este execrable asunto de pederastia. Es normal que una madre con hijo común piense en que lo primera que hay que salvar a toda costa es a su hijo. El guion es muy hábil, pues el espectador sigue desde el punto de vista de Lucy por todas las etapas a las que se ve sometida. 

«Un monstruo amable» añade también otra historia paralela que trata de enriquecerla: la de la mujer policía encargada de investigar el asunto. En un momento dado, Lucy le pregunta que por qué ha elegido trabajar en este área tan desagradable. Y ella responde que es el mejor trabajo que ha tenido y el que mayor sentido le proporciona. Descubrimos que cuida de su padre que está enfermo y necesita de cuidadora. Pero esta se le queja de que por las noches se ve acosada y no podrá aguantar más decidiendo marcharse. La policía tendrá que asumir las tareas de cuidado. En la cena su padre la confunde con su esposa fallecida. Al irse a la cama, ella cierra con pestillo su habitación para no sentir que su padre trate de entrar. Como vemos, los monstruos no siempre, parece decirnos Marie Kreutzer, están en la calle.

La tercera propuesta del día se titula «Las islas afortunadas» escrita (es un decir) y dirigida (otro decir) por Helena Girón y Samuel Delgado. Nadie la verá ni siquiera en plataformas salvo que alguien le dé por error al play (como se decía antes). Dicen que estamos en el siglo XV en La Graciosa. Allí un tipo que habla francés (!) tiene una esclava llamada Fátima. Es el único que tiene agua de un pozo que construyó y los pocos que ahí viven necesitan de ese vital elemento. El resto de la historia es tan plano y aburrido que les ahorro más detalles. Eso sí en los preámbulos un texto nos indica que las islas Afortunadas fueron conquistadas por la Corona de Castilla, sus aborígenes exterminados y colonizada por poblaciones traídas de África y de Castilla. De eso nada se ve en la película. O tal vez yo me haya quedado dormido.

Acabo el día con un documental de uno de los mejores documentalista que existen: Sergei Loznitsa. Tras un minuto de silencio por los 68 ya fallecidos en un choque de trenes de alta velocidad en Toledo, me dispongo a ver «Imperium», otro desastre y fiasco de proyecto comunista. Sergei aprovecha las imágenes rodadas de 1970 a 1973 por un grupo de cineastas de ilusiones izquierdistas que querían ver el sueño comunista realizado en la URRS. Aunque fueron vigilados por agentes del KGB pudieron rodar imágenes que ni a los propios cameraman rusos se les habría permitido. Le pregunto a Sergei Loznitsa si tenía en mente cuál iba a ser la estructura del documental y me responde que al inicio no, pues fue recibiendo el material rodado en celuloide tras su paso al digital. A partir de entonces con su montador tuvo claro que quería con esas imágenes pasase un año: de un invierno que comenzara en Moscú y acabar en otro invierno en San Petersburgo ( en esa época Leningrado). 

«Imperium» describe, sin voz en off que nos explique nada, la amalgama de naciones que componía ese conglomerado llamado URRS y cómo era imposible unirlas tan solo por el régimen comunista común a todas ellas. Hasta que en diciembre de 1991 llegó a su fin. No es extraño oír comentar a Sergei que en 1975 ese acuerdo entre gobierno italiano y el ruso de filmación por la extensa URSS terminara al considerar que aquellas imágenes no eran suficientemente adecuadas a la propaganda del régimen. 

Seminci 26. Día 5

Dejad que los niños se acerquen a mí

La Seminci hace una función educativa muy interesante a todas luces, aunque me temo que ya prácticamente infructuosa. Soy muy pesimista. Lo sé. El hecho de que desde hace ya muchos años siempre reserven en su programación matinal una actividad cinematográfica para los colegios y escuelas es loable. Sospecho, como así me lo confesó antes de entrar a los cines Broadway un adolescente, que ir al cine era un modo de evitar estar en clase. El cine como escapatoria a las cárceles institucionales a las que se deberá enfrentar cada etapa de su vida el mozalbete. Si les hubieran propuesto ir de visita a un centro penitenciario, seguro que también lo habrían aceptado: todo por escapar de las cuatro paredes a las que se les someterá durante muchos, muchísimos años. 

Dentro del ciclo “Una historia del sonido (en el cine)” han programado «Blow up», que por estos pagos se tituló «Impacto». Decir que Brian de Palma era un cinéfilo director a estas alturas no es aportar nada. De alguna manera le emparento con Jean Luc Godard. La diferencia era que este quería destruir la artificiosidad del lenguaje fílmico mientras que aquel quería rodar cine comercial desde la fagocitacion de todo el artilugio cinematográfico, además de draculizar a los mejores directores. «Blow up» en esta ocasión pone en relevancia al creador de los efectos especiales, pero quiere legitimar este thriller con un aporte demócrata añadiendo una trama sobre el asesinato de un candidato a las elecciones presidenciales. 

John Travolta es el especialista en efectos sonoros que añade a películas de terror de serie Z. Una noche grabando sonidos nocturnos presencia lo que parece un accidente en el que ve involucrado el candidato a la presidencia de EE. UU. La revisión de lo que ha grabado le hará sospechar que eso no ha sido un simple infortunio sino que todo indica que lo han asesinado.  El resto es la película . Una curiosidad, la idea de meter un sonido auténtico (el grito de una mujer que es asesinada) para incluirlo en una película de terror fue años después hecho realidad en la película «La voz de Hind» en 2024. Reflexión que hago por ver hasta qué punto lo que antaño era una idea que solo se permitía en la ficción ahora décadas después se transforma en realidad. Verdad que se trataba en este último caso de un filme político de denuncia.

Acabo con «Cartas de estado» del director Ilker Çatak. Tenía esperanzas en que el autor de «Sala de profesores» me sumergiera en un mundo que me implicara y me sometiera a esa tensión con que se viven las buenas historias narradas con pulso y vigor. Sin embargo, creo que «Cartas de estado» está a un nivel inferior. Sospecho que el montador de ambas es el mismo, lo cual le da una personalidad a la obra del ganador de Oso de Oro de Berlín. 

Trata de una pareja de artistas (él dramaturgo y profesor universitario, ella actriz)  cuyas vidas se van a ver afectadas por sus ideas progresistas en Ankara. El horno en Turquía no está para bollos y si la cultura, la que se entiende por combativa, siempre es mal recibida cuando es contraria al poder de turno, mucho peor cuando el régimen tiene tufillo dictatorial. 

«Cartas de estado» comienza con el hostigamiento del régimen político hacia los manifestantes contra el gobierno, pero poco a poco el director se va centrando en cómo la pérdida de trabajo y la necesidad de la pareja de trasladarse a Estambul para poder capear la situación irá minando la convivencia. Tal vez en esta derivación la película pierda fuerza, pues aquello que se denuncia queda en un segundo plano, siendo los conflictos a raíz de aquello lo que tienen mayor relevancia.

Seminci 26. Día 4

Lunes de resurrección 

En la presentación a la prensa en el Salón de los Espejos nos informan de que “La violinista” es la segunda obra de animación que participa en la liza por la Espiga de Oro en los 71 años de historia de Seminci. Me gustan esas estructuras en las que arrancan con un misterio que alguien se empeña en descubrir. Recuerden el señero inicio de «Ciudadado Kane» y la pronunciación de una misteriosa palabra, «Rosebud», y la posterior investigación por saber qué significaba. Aquí tenemos a un periodista valenciano que asiste a un concierto en Singapur. En lugar de entrevistar al joven primer violinista de la orquesta, el periodista sale del concierto al ver salir a una señora mayor, que resulta ser una violinista famosa que lleva cuarenta años tocando el mismo violín. ¿Por qué? El periodista le lleva una foto de muy joven junto a un amigo de infancia que vivió y estudió violín como ella. ¿Qué fue de él? ¿Por qué se separaron? 

El singapurense Ervin Han y el español Raúl Garcia nos relatan a través de la anciana violinista en un largo flashback las vicisitudes de esta relación rota por la II Guerra Mundial. Creo que el arco temporal que abarca la película es su gran lastre: desde la década de 1930 hasta los años ochenta. Eso y el recorrido por los múltiples conflictos que asisten los protagonistas que viven en Singapur, incluida en lo que antes fue la Malasia Británica.

Con un dibujo de marchamo europeo en dos dimensiones, aunque con movimientos de “cámara” que permite hoy en día las tecnologías digitales, la narración peca de ser un tanto convencional. Una pena que tanto trabajo en los cuidados planos se vea perjudicado por unas voces en español que no me convencen. Eso sí, tiene un final emotivo que hará que más de uno derrame alguna lágrima. 

Se agradece muy mucho que un festival tan de autor programe de vez en cuando una comedia y, si es de calidad como la que he visto en el Calderón, miel sobre hojuelas. «A Good Little Soldier» es un drama revestido de una capa carcajeante de humor. Es difícil que el público de la Seminci suelte la risa de la jaula de esa corrección política. Allá ellos. El filme de Stéphane arranca con una escena antológica (creo que alberga muchas más): el plantel ejecutivo de una empresa de seguros Amelí analiza la propuesta de una agencia de publicidad. Se trata de un anuncio de empresa en el que todos los que aparecen son trabajadores discapacitados. Tras una serie de loas, el jefe, magnífico Vincent Lindon, carga contra todas esas ideas bien pensantes de los ejecutivos, pues tras ver el anuncio lleno de cuerpos mutulados, parapléjicos, cojos, mancos… le entra una verdadera angustia. Y los accionistas no están para ver perder dinero. Urge cambiar la propuesta. Ahí entra Carla, (magnifica Alba Rohrwacher) una ejecutiva que dirige los Recursos humanos de la empresa. Se verá obligada a tomar decisiones cada vez más comprometidas para su estabilidad mental y familiar. 

«A Good Little Soldier» es una propuesta que, a medida que la disfrutas, también la sufres al ver cómo los personajes se ven inquisitoriamente  sometidos a un guion magnífico, con escenas que sonrojarán a muchas de esas empresas que se dedican a desarrollar actividades para mejorar las relaciones humanas entre los trabajadores. Delirantes los ejercicios motivacionales y de buen rollitoa que se ven sometidos los que allí trabajan. Algo que al parecer, estando en un sistema de producción capitalista, parece que según Brizé es imposible. Al menos esa parece decir. Pero ese mensaje está debajo de la alfombra del vestíbulo de Amelí, sin abultar mucho.

La tarde siguió gozosa a pesar de que el Teatro Cervantes no reúne las condiciones para un festival de este prestigio. Allí vi «Talento para matar». Supongo que a estas alturas, no habrá que presentar a la escritora norteamericana Patricia Highsmith. Famosa por la adaptación que hizo Hitchcock de «Extraños en un tren» y, sobre todo, por las cinco novelas cuyo protagonista Tom Ripley la hizo famosa y rica. 

Ella es la coprotagonista (excelente encarnación de Hellen Mirren) del filme de Antón Corbijn, junto a un joven editor (Alden Ehrenreich, seductor nato), el cual viene a los Alpes suizos donde Patricia vive para cumplir con la misión de convencerla de que escriba su sexta novela con el personaje de Ripley, un alter ego más guapo y exitoso con las mujeres de lo que posiblemente lo fue ella. 

«Talento para matar» se disfruta sin mirar el reloj. Es un juego en el que la vida y la ficción parecen mezclarse. Patricia Highsmith en un momento mira la máquina de escribir, pues está atascada. La llegada del editor se convertirá en un toma y daca donde cada uno querrá obtener del otro lo que desea: ella salir del atasco creativo; él, seducirla como hacía Ripley con sus “víctimas” para obtener la firma del contrato de publicación de una nueva novela.

 Se nota que procede de una obra de teatro (titulada «Switzerland») a pesar de que haya un esfuerzo por airearla y convertirla en filme. La única pega es que Anton Corbijn no dota de autoría a esta entretenida y eficaz película. Y de ahí que me sorprenda su incursión en la S.O., eso sí, fuera de concurso. 

Por último, la prueba de 158 minutos vino de Singapur. Ha gustado en general “We are all strangers” de Anthony Chen. Dicen que es una de las películas más conmovedoras del año y, por lo que pude escuchar a la salida del Cervantes, se confirmaba la sensación de que Chen logra por momentos notas de una gran belleza sencilla y emotiva. Se narra la historia de una familia: el padre lleva un pequeño restaurante de calle especializado en fideos Hokkien; el hijo está alistado en el ejército. Asistimos en una narrativa alterna el doble enamoramiento de ambos. Bellísimo el momento en que el padre invita por primera vez a una camarera que trabaja al lado de su puesto a salir ¡en un viaje en autobús porque tiene aire acondicionado y afuera hace mucho calor! Chen logra perlar las vicisitudes de esta familia con frases lapidarias en ocasiones o situaciones que te encoge el corazón. No falta la crítica soterrada a una sociedad opulenta como es la de Singapur, en donde siempre existirán personas –como los protagonistas de esta película- que acaben siendo excluidas de tal opulencia. 

Seminci 26. Día 3

Domingo de espinas

La mañana del domingo antes de entrar en la cafetería El minuto de la calle vallisoletana Macías Picavea observo a los barrenderos limpiar los restos de la jarana nocturna. La fiesta va por barrios. En mi caso no hay fiesta que valga en el primer pase en el Teatro Calderón. “Hermanas” no es asunto festivo. Ione Hernández Sáenz, su directora, sabía que se la jugaba, pues es paridora añosa (como se las llama a las mujeres de cierta edad que deciden alumbrar). 

Como confiesa Ione, es ahora cuando siente el peso de la responsabilidad de no fallar, pues cuando la seleccionaron en el Festival de Toronto el entorno tan alejado jugaba a su favor para no sentir ese miedo al fracaso en la recepción por parte del público y la prensa. En el pase matutino puedo dar fe de que varias espectadoras se secaban las lágrimas. 

El tema es peliagudo y últimamente el cine lo está abordando con profusión (véase la reciente «Josephine»): el asunto de la violación o de las agresiones sexuales. Ione aborda con una prosa fílmica —que no se aleja de las realizadoras de último cuño— lo que sucede en una familia al ver que la posible agresión ha sido intrafamiliar. Sospecho que la elección de dos consagradas actrices como son Emma Suárez y Elena Anaya era un modo de asegurarse una cierta tranquilidad interpretativa. Pero Ione se desenvuelve mejor en las escenas finales que en toda el desarrollo de la trama. 

Tiene escenas logradas entre las dos hermanas que se ven enfrentadas al saber que una tendrá que defender a su hijo de una acusación de violacion y la otra de no naufragar ante los daños infringidos a su pequeña hija. Ahí está el muro de la casa que las separa cuando Elena va a pedir algo de información cuando sabe que su hijo está detenido y Emma no le abre la verja; o la secuencia en la cafetería entre ambas cuando se enfrentan en una decisión que podrá cambiar el curso de sus hijos. Es una obra que podría haber resultado más convincente, aunque teniendo en cuenta que es su ópera prima sale viva de la apuesta, que no es poco.

La segunda propuesta de la Seminci oficial nos lleva a Ucrania y al momento en que estalla la guerra con Rusia.  

La directora alemana Isabelle Stever se concentra en una pareja queer (¡cómo iba a ser si no en estos tiempos en que vivimos!). Deciden escapar y exiliarse en Alemania ya que, aunque Oleh es transexual, no le exime de integrarse en el ejército ucraniano. Su título es muy poético: «I rarely wake up dreaming». En un momento de la noche le cuenta Olya a Oleh que ha tenido un sueño: consiste en un cementerio pero no de cadáveres enterrados sino de años. Ve 2016, 2018… enterrados Hasta que descubre que también 2021, que no ha empezado también se halla en ese campo santo. Muy poético todo. Nada de lo que veo me interesa, con una exposición en imágenes que cocean mis pupilas. Un cine que no se verá más que en Locarno, de donde salió este engendro, y en los pases programados en la Seminci. Yo escapé a la hora cuando la novia lesbiana se va a hacer las uñas mientras el gobierno de Kiev impide la salida de los hombres (porque son hombres) mayores de 18 y menores de 60 años. 

La tercera propuesta se proyecta en la poco propicia hora de las cuatro de la tarde. Se trata de «Rose» de un tipo austriaco con aspecto de callejón sin salida llamado Schleinzer que solo había rodado hasta entonces otra película, «Angelo», hace ya varios años y que dejó al Kursaal con diarrea y bostezo narcotizante. No me extraña nada que le haya costado seis años contar esta historia de una mujer en el siglo XVII que suplanta a un soldado muerto para recibir la herencia en un pueblo. Allí se hace pasar por hombre y¡deja preñada a la mujer con la que se esposa! Yo ya estaba roncando plácidamente hasta que un energúmeno lanza la proclama: «¡Abajo la tortura!» Sospecho que batirá récords de recaudación en taquilla y saldrá premiada de la Seminci. La interpreta Sandra Hüller (dicen que en una actuación de Oscar) y con bella fotografía. Hay una voz en off que cuenta aspectos de la narración que habrían llevado a las ocho horas si las rodase.

En el coloquio posterior en el teatro Calderón (se nota que soy masoquista) un espectador le pregunta por qué ha rodado en blanco y negro. Markus Schleinzer comenta con cierta retranca que es la pregunta más famosa de lo que lleva de estancia en Valladolid. Nadie pregunta a los directores  por qué ruedan sus películas en color. Misterios.

He tenido que recurrir a la enciclopedia del siglo XXI para averiguar qué es La Gradiva, a parte de ser el título de la película de Marine Atlan. Se trata de una figura famosa de la historia del arte, una joven representada en un relieve de la Antigüedad romana, caminando con un pie levantado. Estuve 145 minutos esperando a descubrirla por algún lado hasta que me di cuenta del mensaje metafórico que propone la francesa. La historia de un viaje de fin de curso de chavales a Nápoles y Pompeya es el eje vertebrador. Sale de una trama convencional y ese es su logro: con situaciones que van ganándote al ir conociendo los miedos, los deseos, el sexo, la decepción, sus tristezas y discusiones sobre lo humano y lo divino. Su manera de rodar no es la que a mí más  me gusta, pues la cama viaja con los chavales, captando las miradas, los diálogos frescos y juveniles. Pero ahí creo que está su gran acierto: ese es el estilo que Atlan impone para esa etapa en la que las ilusiones y desesperanzas se viven con esa energía típica del final de la adolescencia antes de llegar a la uniersidad. Napole se convierte en otro personaje fundamental, lo cual engrandece este filme que ya logró su éxito en su paso por el Festival de Cannes.

Seminci 2026. Día 2

Ojalá fueran así los días festivaleros 

Dos fotogramas de «Woman Unknown»

La segunda jornada de la Seminci ha sido notable. Firmaría por que hubiera alguna más, pues la semana se haría muy llevadera. Les confieso que he llegado a creer que mis dolencias físicas y mi ánimo alicaído me impedirían saborear el buen cine de darse en pantalla. Afortunadamente, todavía mantengo la capacidad de poder ser feliz ante una pantalla como la del Teatro Calderón o del Carrión cuando descubro que existe un pergeñador de historias que sabe contarlas con delicadeza, entretenimiento y fundamento. 

Es el caso de la ganadora del Leon de Oro, «Woman Unknown» de una realizadora de nombre aparentemente poco danés: May el-Toulhy. La autora de la también admirable «Reina de corazones» sigue la senda de los caminos tortuosos, alejados de esas dos tonalidades que tanto gustan por estos pagos: el blanco y el negro. La trama de «Woman Unknown» nos traslada a la primavera de 1945 en Dinamarca. La contienda bélica ha finalizado, pero la caza de brujas ha comenzado. ¿Qué pasa con aquellas que han colaborado o son sospechosas de haberlo hecho con el régimen nazi? El espléndido guion (y la cámara siempre con ella) se centra en la vida de Marie, una sirvienta que va a casarse con un viudo empresario productor de guantes. El-Toukhy sabe escribir con la cámara, con una puesta en escena soberbia, el ascenso social de Marie (insuperable Mathilde Arcel) y las dudas que sobre ella recaerán por haber tenido un pasado ligado al nazismo. Todo en «Woman Unknown» está calculado con precisión y elegancia: desde esa luz expresiva en el interior de esa casa (véase ese vestido de boda de la anterior mujer del empresario fallecida por un cáncer) o el plano nadir inicial en el que con una leve apertura de ángulo parece que, en lugar de un bloque de edificios, asistiéramos al interior de una cárcel. Todo ello acompañado con sonido de tambores que connotan una atmósfera como si asistiéramos a la ejecución sumarísima de alguien. Admirable descripción de un ambiente paranoico en una sociedad que sale de una contienda, pero que deja un tema pendiente: qué hacer con aquellos colaboracionistas y, lo más terrible, cómo combatir el veneno insidioso de las habladurías. La directora danesa nos hace asistir a una múltiple radiografía de la mujer protagonista para paradójicamente ocultarnos aquello que ella celosamente guarda: su pasado. Un pasado que, como bien dice Marie en un momento de la película, debería perdonarse. Sobre todo si se quiere seguir mirando hacia el futuro. 

«Una familia» es la ópera prima del realizador Ricardo Gómez, la primera propuesta de cine español aunque fuera de concurso. Es un intento un tanto irregular pero no falto de interés por recuperar ese cine que se etiquetó como «cine quinqui». Aquí estamos en el Madrid de los años 90 y no existen robos a bancos ni persecuciones con autos robados. Se intuye que Ricardo Gómez (protagonista de «Cuéntame cómo pasó») pone en el guion aspectos de su entorno y eso se agradece como espectador. Sin embargo, hay ciertas aspectos de la historia de amor entre el convicto Enrique (Patrick Criado) y la hermosa e ingenua bailarina Clara (Claudia Traisac) que fallan o no convencen del todo. El mensaje feminista no está subrayado, lo cual se agradece, pues las mujeres de épocas recientes como Clara han aprendido a alejarse de personajes que no les conviene ni a ellas ni a sus hijos, a diferencia de lo que ocurría con las del pasado.

La tercera, esta a competición, se trata de «The Echo Chamber» del director italiano Andrea Pallaoro. Cuenta que se trata de un guion de Bernardo Bertolucci que no pudo llevar a cabo. Tal vez porque su vida en silla de ruedas y los dolores de espalda se lo impidieran. Muchos de los que asistieron al pase habrán pensado que mejor que hubiese seguido el guion del autor de «Novecento» en el cajón. Allá ellos. A mí me ha parecido una estimable historia de cámara que transcurre en un piso entre un productor musical (Luca Marinelli) de autoestima baja y dolores de espalda insufribles, una vieja cantante que quiere crear, tras años de silencio, otro disco (Susan Sarandon) y la enfermera masajista (Alicia Vikander),  que quedará prendida por el encanto de aquel. Como bien le dice en un momento Sarandon a su productor, “nosotros los artistas afrontamos el dolor para transformarlo en algo llamado arte”. Y de eso va creo «The Echo Chamber», de saber transformar el dolor físico y emocional en algo que, al combatirlo, además de asumirlo como algo fundamental de la vida, lo podamos convertir en arte. 

Por último, otra obra que compite por la Espiga de Oro es la muy notable e interesantísima «Queen at Sea» de Lance Hammer. Oso de Plata en Berlín, Hammer logra con una formalidad en la composición de planos la atmósfera desasosegante que estalla cuando Amanda (aquí una soportable Juliette Binoche) sorprende a su padrastro octogenario haciendo el amor con su esposa demenciada. La historia servirá para acalorados debates, por cuanto él es acusado por el sistema legal inglés de posible violacion a su mujer al quedar en duda de si una mujer anciana con demencia avanzada puede decidir o no a acostase con su marido. Hay aciertos no solo interpretativos (convincente Anna Calder-Marshall) sino de puesta en escena (cada vez que salen a la calle los sonidos ambientales desaparecen y son sustituidos por música clásica, modo de expresar ese recluimiento mental de una demenciada), con ideas de guion brillantes como el montaje alterno de la historia de amor de la adolescente hija de Amanda, claro contraste de la plenitud juvenil con el del amor otoñal de sus abuelos. 

71ª Seminci 2027

 La 71ª edición de la Seminci selecciona 22 largometrajes en la Sección Oficial en busca de la Espiga de Oro

 

Cartel diseñado por el director Apichatpong Weerasethakul

 

Desde el pasado 7 de octubre, la Seminci completó la Sección Oficial al anunciar los títulos restantes hasta completar los 22 largometrajes a concurso. No se entiende que hayan incorporado a esta misma S. O. otros 9 títulos más con lo que son 31 obras las que se proyectarán dentro de este apartado.

Los organizadores de la 71ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid informaron de los  nueve nuevos títulos a su Sección Oficial, firmados por cineastas como Lisandro Alonso, Alain Gomis, Marie Kreutzer, Stéphane Brizé, Shinya Tsukamoto, Andrea Pallaoro, Lance Hammer, Isabelle Stever y May el-Toukhy. 

La directora danesa, May el-Toukhy, competirá en Valladolid con Woman Unknown, ganadora del León de Oro de Venecia, en una selección que reúne también los nuevos trabajos de algunos de los autores más reconocibles del cine contemporáneo y nombres destacados de la interpretación internacional.
 

 En la Dinamarca posterior a la Segunda Guerra Mundial se desarrolla Woman Unknown, de May el-Toukhy, en un momento en que la sociedad intenta ajustar cuentas con quienes colaboraron con los alemanes. Marie, una joven empleada doméstica interpretada por Mathilde Arcel, oculta un episodio de su pasado que puede comprometer el futuro que está construyendo. El filme, protagonizado también por Carsten Bjørnlund y Thorbjørn Hedegaard, además del máximo galardón, recibió la Copa Volpi a la mejor actriz, y ha sido elegido para representar a Dinamarca en los Oscars.

 

 

Woman Unknown, ganadora del León de Oro de Venecia

Veinticinco años después de La libertad, película que contribuyó decisivamente a la renovación del cine argentino de comienzos de siglo y situó a Lisandro Alonso entre las voces más singulares del cine de autor internacional, el director retoma en La libertad doble a Misael, el trabajador forestal al que ya acompañó en aquella película. El personaje continúa trabajando en soledad en los bosques hasta que la necesidad de cuidar de su hermana altera por completo el mundo que había construido y plantea qué ocurre cuando la presencia del otro obliga a compartir una vida concebida desde el aislamiento.

Dos acontecimientos separados geográficamente, pero unidos por sus protagonistas, articulan Dao, de Alain Gomis, cineasta franco-senegalés al que el Centro Pompidou de París dedica actualmente una retrospectiva bajo el título «Alain Gomis. Histoires communes». Una boda en Francia, celebrada por una familia de ascendencia africana, y un rito funerario en Guinea-Bisáu se convierten en dos momentos de reunión, celebración y despedida que permiten reconstruir las historias de quienes se fueron y de quienes decidieron quedarse. Gomis combina personajes de ficción con personas reales y testimonios surgidos de la propia comunidad. El director de Félicité, Gran Premio del Jurado de la Berlinale en 2017, regresa así al largometraje de ficción.

Grandes intérpretes femeninas: Seydoux, Deneuve, Rohrwacher, Binoche

 

Una familia aparentemente estable es el punto de partida de Un monstruo amable, donde Marie Kreutzer (La emperatriz rebelde) aborda las tensiones que surgen cuando la imagen construida sobre uno de sus miembros empieza a resquebrajarse. Lucy, una pianista interpretada por Léa Seydoux –premio a la mejor actriz de la 68 Seminci por The Beast–, vive con su marido y su hijo en una casa en el campo hasta que la llegada de la policía para investigar a Philip revela un aspecto de su vida que obliga a la protagonista a revisar todo lo que creía saber sobre él. Catherine Deneuve, Jella Haase y Laurence Rupp completan el reparto.

La contradicción entre el discurso empresarial sobre el bienestar de los trabajadores y las exigencias de productividad está en el centro de A Good Little Soldier, de Stéphane Brizé (La ley del mercado, El jardín de Jeannette). Carla, una ejecutiva que asciende a la dirección de Recursos Humanos de una gran compañía de seguros, debe conciliar ambas posiciones hasta que descubre una situación de gestión tóxica que hace cada vez más difícil sostenerlas. Protagonizada por Alba Rohrwacher y Vincent Lindon, la película obtuvo en Venecia el premio al mejor guion para Brizé, Coralie Amédéo y Olivier Gorce.

En Queen at Sea, Juliette Binoche, Tom Courtenay y Anna Calder-Marshall se enfrentan a una decisión especialmente compleja: quién puede decidir por una persona cuando la demencia empieza a privarla de esa capacidad. Dirigida por Lance Hammer, la película obtuvo el Oso de Plata Premio del Jurado en Berlín, mientras Courtenay y Calder-Marshall compartieron el Oso de Plata a la mejor interpretación de reparto.

El último guion de Bernardo Bertolucci

El deseo y la atracción dan paso a una relación marcada por la dependencia, las drogas y la dificultad para separarse en The Echo Chamber, de Andrea Pallaoro. Luca Marinelli, Alicia Vikander y Susan Sarandon protagonizan esta historia sobre los mecanismos de poder dentro de una pareja, en la que Leo y Anne quedan progresivamente atrapados en un vínculo del que ambos parecen incapaces de salir. La película parte del último guion escrito por el legendario cineasta Bernardo Bertolucci junto a Ilaria Bernardini y Ludovica Rampoldi antes de su fallecimiento en 2018.

Vidas atravesadas por la guerra

El relato autobiográfico de Allen Nelson, un exmarine estadounidense que regresó de Vietnam marcado por haber sido entrenado para matar, sirve de base a Mr. Nelson, Did You Kill People?, de Shinya Tsukamoto, figura de culto del cine japonés cuya trilogía Tetsuo se convirtió en un referente internacional del cyberpunk. Geoffrey Rush y Rodney Hicks protagonizan esta historia que cuestiona la maquinaria que convierte a un hombre en soldado. La película ganó en Venecia el Leoncino d’Oro, concedido por el jurado de jóvenes de la Mostra.

La guerra de Ucrania condiciona la relación y la identidad de Olya y Oleh en I Rarely Wake Up Dreaming, de Isabelle Stever, cuando la transición de género de uno de ellos coincide con la invasión y llega a intervenir incluso en las decisiones sobre el propio cuerpo. Escrita por Stever junto a la guionista ucraniana Anna Melikova a partir de experiencias de su entorno, la película sitúa así una historia de amor y transformación personal frente a las decisiones que impone un conflicto bélico. 

Cine español en S. O. 

 

 

Estos títulos completan los 22 que participarán en la Sección Oficial a concurso. Junto a los anunciados el pasado 7 de octubre, optarán por la Espiga de Oro los 13 que la organización informó el pasado 27 de agosto, entre las que estaban las tres cintas españolas, Hermanas, Las islas afortunadas, y la cinta de animación La vionista. Además participarán en S. O. fuera de concurso otras tres: El confidente de Daniel Calparsoro, Un hombre en un  puente y Una familia.

 

En Hermanas, Ione Hernández Sáenz, estreno europeo en Seminci tras su paso por Toronto, sitúa a Elena Anaya y Emma Suárez frente a una herida familiar que obliga a dos hermanas a replantearse los vínculos que las unen. Chelo y Marta se enfrentan a un dilema en el que protección, justicia y lealtad entran en conflicto, mientras aquello que no se dice adquiere tanta importancia como las palabras. La ópera prima de Hernández cuenta además con Carlota Keiko, León Martínez, Josean Bengoetxea, Aritz Kortabarria y Nora Otxoeko en el reparto.

La violinista será la segunda película de animación en optar a la Espiga de Oro en la historia de Seminci. Una obra dirigida por Ervin Han y Raúl García, animador y cineasta madrileño con una extensa trayectoria internacional, que incluye una década en Walt Disney Studios y su participación en títulos como ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, además de un Goya por El lince perdido y una nominación al Óscar como productor de La dama y la muerte. Ambientada entre el Singapur de los años treinta y el presente, la película fusiona animación 2D y 3D para seguir a dos jóvenes unidos por la música cuyo destino queda marcado por la guerra y la ocupación japonesa. La violinista se ha convertido en la primera película española en alzarse con el Cristal al mejor largometraje en Annecy.

Las islas afortunadas, de Helena Girón y Samuel M. Delgado, viaja hasta las Canarias del siglo XV para contar la historia de Fátima, una mujer esclavizada cuyo destino está ligado al único pozo de agua dulce de la isla. La película está protagonizada por Luisa Ahl Laabiad, que debuta en el cine junto a Lou Castel, rostro icónico del cine europeo, y Grégoire Colin, habitual del cine de Claire Denis. Entre la aventura, el misterio y el drama histórico, el entorno adquiere una presencia decisiva: el paisaje y los rostros de quienes lo habitan parecen conservar una memoria de la historia colonial del archipiélago. 

Resto de la S. O. 

La Sección Oficial a concurso programará, además, La gradiva, de Marine Atlan, y Un hombre de nuestro tiempo, de Emmanuel Marre, dos de las películas más aclamadas por la crítica francesa, que llegan a Valladolid después de competir en Cannes. El avance incluye además We Are All Strangers, de Anthony Chen; Everytime, de la austriaca Sandra Wollner, ganadora de Un Certain Regard en Cannes; Aquí, de Tiago Guedes, con Manolo Solo en uno de sus últimos papeles ante las cámaras; el Oso de Oro de la 76 Berlinale, Yellow Letters, de İlker Çatak; Rose, de Markus Schleinzer, premio a la mejor interpretación en Berlín para Sandra Hüller; Prosecution, de Faraz Shariat, y A Bit of Light, de Ali Asgari.

Los títulos franceses más aplaudidos del año

                                  

       

En La gradiva, un grupo de estudiantes franceses se desplaza a Nápoles para visitar Pompeya, en un recorrido en el que deseo, violencia y descubrimiento desbordan progresivamente sus relaciones. Marine Atlan convierte este viaje en un lúcido retrato del momento en que la adolescencia pasa abruptamente a la edad adulta. Ópera prima de la cineasta, obtuvo el Gran Premio de la Semana de la Crítica de Cannes.

 

Un hombre de nuestro tiempo, premio al mejor guion en Cannes, se sitúa en la Francia de 1940, en plena instauración del régimen colaboracionista. Su protagonista, interpretado magistralmente por Swann Arlaud, acaba integrándose en el aparato administrativo de Vichy, lo que permite a Emmanuel Marre evidenciar la inquietante facilidad de adaptación, el oportunismo y las responsabilidades individuales ante la ocupación alemana.

Familias, pérdidas y nuevos comienzos

Anthony Chen, ganador de la Cámara de Oro de Cannes por Ilo Ilo, presenta We Are All Strangers, un drama familiar ambientado en el Singapur contemporáneo. Un acontecimiento inesperado altera la vida de un joven y obliga a su padre, inmerso en una nueva etapa sentimental, a replantearse sus vínculos y responsabilidades. La película construye un relato sobre el cuidado, los afectos y la capacidad de crear nuevas formas de familia.

También competirá Everytime, de Sandra Wollner, Premio Un Certain Regard en Cannes y elegida para representar a Alemania en los Oscar. Una tragedia reúne a una madre, su hija y un adolescente en un aparentemente idílico viaje a Tenerife. La película indaga en el duelo, la culpa y la posibilidad del perdón a través de una propuesta formal tan extraordinaria como inesperada y una narración en la que pasado y presente se superponen.

 

Aquí del director Tiago Guedes

 

El portugués Tiago Guedes compite con Aquí, adaptación de la Trilogía de Jesús del premio Nobel de Literatura J. M. Coetzee. En un territorio sin pasado ni identidad definida, Simón se hace cargo de David, un niño que ha perdido a su madre, y busca una figura materna para construir una nueva familia. El reparto incluye a Patricia López Arnaiz, Sergi López, Ángela Molina y Manolo Solo, que se despide del cine con esta interpretación magistral.

La identidad frente al poder

En Rose, Markus Schleinzer retrocede hasta el siglo XVII para contar la historia de una mujer que adopta una identidad masculina para acceder a una libertad negada. Gran éxito de público en Alemania, la película plantea cuánto está dispuesta a esconder de sí misma para poder vivir como desea. Sandra Hüller, protagonista del largometraje, elegido para representar a Austria en los próximos Oscar, recibió el premio a la mejor interpretación en la Berlinale.

Yellow Letters, de İlker Çatak, ganadora del Oso de Oro de la Berlinale, sigue a una pareja de artistas turcos cuya vida en Ankara se ve alterada por la presión política. La persecución que sufren afecta también a su relación y convierte el espacio privado en escenario de un conflicto político. El filme ofrece una estampa dolorosa del avance del autoritarismo y continúa el interés de Çatak por las estructuras de poder, después de La sala de profesores, nominada al Oscar a la mejor película internacional y premio al mejor montaje de la 68 Seminci.

En Prosecution, Premio del Público de Panorama en la Berlinale, Faraz Shariat pone el foco en la violencia de extrema derecha y el racismo institucional a través de una fiscal de origen coreano que, tras sufrir una agresión racista, decide investigar el caso y se enfrenta a los responsables y a las resistencias del sistema judicial. La intensidad del relato se apoya en una protagonista que se niega a convertirse en víctima y decide desafiar al sistema para buscar justicia.

A Bit of Light, de Ali Asgari, otro filme a concurso

A Bit of Light, de Ali Asgari, ambientado en el Irán actual asolado por las bombas estadounidenses, sigue a un médico que, tras ser detenido y ver clausurada su consulta, pierde la confianza en el futuro. La película, que competirá por el León de Oro del próximo Festival de Venecia, se detiene en las tensiones y restricciones de la sociedad iraní con un relato profundamente humanista sobre el tránsito de la oscuridad a la luz a través de los afectos. Asgari regresa a Valladolid tras ganar con El silencio la Espiga de Oro al mejor corto de la 61 edición y presentar un año después su primer largo, Disappearance.