El crítico al que (casi) nadie lee y al que (casi) todos ponen verde

 

«No sé si me explico», editado por Espasa, la última gran (auto)crítica de Carlos Boyero

El crítico de cine más famoso hace un repaso a su vida a los 70 años.

Al fondo del bar Stop de Astrabudua hay un pequeño reservado. Nada, son cuatro o seis mesitas donde se sirve comida o cena ligera. Y en ocasiones alguna timba de mus o de póquer. Supongo que la dueña querría incrementar el negocio aprovechando el espacio de ese cuartito reducido. Las paredes están adornadas con carteles de cine y algunas bandas famosas de música. No sé de quién fue la idea pero era algo corriente en los 80 y ahí permanecen como si el tiempo quedase congelado en esas paredes.

 

Allí estaba yo el pasado miércoles con Harry Lime, mi amigo. Como comprenderán, Lime es un apodo, referencia a un personaje fascinante en la historia del cine que aparecía en El tercer hombre (1949). No sé si fue por la época universitaria cuando le bauticé así, o poco más tarde, al darme cuenta de que mis encuentros con él duraban lo mismo que los del personaje-escritor Holly Martins (Joseph Cotten) con Lime (Orson Welles) en la película: un suspiro.

No era fácil quedar con él. Hacía tiempo que no nos veíamos, así que solicité a Cecilia, la dueña, que nos trajera la comida del día para poder alargar el encuentro.

—Al menos aquí no tengo que leer el menú —le dije—, y encontrarme con linguini fra diávolo con mejillones de Bouchot o melón y piña ostomizados en PX y helado de pomelo rosa, como leí el otro día en un restaurante. ¡Coño, que he venido a comer, no a hacer un máster de gastronomía!

 Harry Lime me mira y sonríe. Parco en palabras, hay que sacárselas con abrelatas. Y pregunta:

—¿Qué me cuentas? —Y añade—: ¿Has leído o visto algo interesante?

—El otro día estuve hojeando un libro de Carlos Boyero.

—Ah, el crítico de cine.

—El mismo. 

 

Le recuerdo el día en que Harry Lime se le acercó tras pasar el puente de la Zurriola en el Zinemaldia y le preguntó algo referente a una película que acabábamos de ver.

 

—Era una peli que me había gustado, —rememora—. No recuerdo el título, y le pregunté qué le había parecido. ¡Qué decepción al oírle decir que se había dormido! Siempre se duerme con el cine oriental. 

—Pero tuvo la amabilidad de volver a llamarte tras la respuesta.

—Sí, me dijo que había tenido una "mala noche", así justificó lo de la dormidera en el Kursaal. ¿Cómo se puede hacer una crítica habiéndote dormido?

—Ya. No he comprado el libro, pero lo abrí al azar y me topé con el capítulo "Códigos sagrados. La amistad". Dice que mantiene un grupo de amigos desde hace cincuenta años, que eso quiere decir algo, que ha tenido suerte por ello. Es lo único que le queda, pues vive solo desde hace mucho tiempo. No tiene pareja ni cree que vaya a tenerla nunca. Dice que su estado de ánimo frecuenta la oscuridad y la depresión íntima. Le entiendo porque bastantes de las personas más cercanas ya no están, murieron o se separaron de él.

El ambiente del almuerzo empieza a teñirse de cierta tristeza, tan sólo interrumpida por Cecilia, que trae dos platos de pasta con verduras, agua para él y vino para mí.

—Siempre le vimos solo en el Zinemaldia —añade la frase tras probar el plato.

—Lo explica en el libro. Boyero huye de la gente que quiere ser su amigo, pues es un coñazo, le parece algo falso. El coñazo es uno de los géneros más temibles que existen para él, una de las especies más lamentables. Hay que defenderse de ella con armas de fuego si es preciso. 

—Eso pasa por ser un crítico famoso. A ti no te pasa.

—Confiesa que prefiere tener fama de odioso que de tío educado. La mayoría del personal no le interesa lo más mínimo y puede ser muy borde para espantarlos.

—¡Pues conmigo no lo fue! —sonríe mientras acaba el plato.

—No, contigo no. Nunca le dirigí la palabra en todos estos años en el Zinemaldia, incluso cuando estábamos en la sala de redacción. Le observaba con cierta admiración, era consciente de su dificultad con el ordenador, con la impresora, con toda la tecnología del siglo XXI. Igual que Carlos Pumares, que le tenían que escribir en el pecé sus artículos breves mientras los dictaba con su tono hitleriano.

 

Cecilia interrumpe gratamente con el postre: ¿melón, tarta de queso casera o yogur? Se lleva los platos con ese aire rítmico de operario de cadena de montaje.

—He leído que suele ir a Barcelona a visitar a sus amigos Oti Rodríguez y su mujer, María. ¿Te acuerdas de ella?

—Vagamente.

—María estudió con nosotros Periodismo. Lo curioso es que un día en el Teatro Principal de Donostia me la encontré y me presentó a su marido, que era Oti del ABC. Me quedé a cuadros.

—¿Por qué?

—Porque él le saca más de diez años.

 

Y sonrío. Y me sonríe.

—Dice que con ellos se siente "protegido, entretenido y querido". ¿Se puede pedir más a la amistad?

—Pues no —comenta lacónico y con rotundidad.

—¿Sabes con quién suele estar en Navidad y en verano en San Sebastián?

—¿Con quién?

—Con el bueno de José Luis Rebordinos, el director del Festival, ¡el bueno de Rebor se ha hecho amigo del que fuera el crítico más feroz! Si no puedes con tu enemigo, únete a él.

Volvemos a sonreírnos.

 

 

 

 

 

—Cantabria también aparece en el libro. Algún día tendríamos que ir a La Traina o a donde la Emilia a comer sardinas o bonito.

—¿Y por qué allí?

—Porque allí es donde podemos darle el coñazo a Boyero si nos topamos con él.

Y nos miramos, yo cara de travieso, Lime, sorprendido de la ocurrencia.

—En resumen, que lo único que le importa ya, lo que le endulza la existencia, son sus amigos: los directores Fernando Trueba y José Luis García Sánchez o el bueno de Antonio Resines.

 

Y el silencio tristón, o a mí me lo parece, vuelve a impregnar la mesa. Acabamos los postres y pedimos un cafelito. Harry Lime volverá a su trabajo. No le saco ni una palabra sobre su interesante actividad, aunque le pregunte. Como recordé que me dijo en cierta ocasión, vale más por lo que calla que por lo que habla. Así que llegamos al último tercio en metáfora taurina. Enfrente veo a un tipo que lee el periódico, y me recuerda algo:

—¿Sabes que Boyero sigue yendo a la SER los miércoles a hacer su crítica radiofónica con Francino?

—No, no le sigo. ¿No está jubilado?

—Sí, pero un periodista nunca se retira aunque se jubile. Además, comenta que la angustia desaparece ese día y el jueves.

—¿El jueves?

—Sí, el día en que va a la redacción de El País y queda con su "familia" para ir a comer al Gastro, aunque el nombre es más sofisticado: Feedback Gastrobar.

Y sonrío.

 

Agradecemos a Cecilia su menú casero y acompaño a Harry Lime al metro rumbo a Ibaigane. Nada más dejarle, me abordan las últimas palabras de Boyero del capítulo 15 que dice así:

"Los amigos. Junto con mi madre, lo más importante que tuve. Y lo más  importante que tengo. Lo único importante que me queda".

 

Bien podría ser el epitafio para el día en que me muera. Aunque pensándolo bien, una vez muerto ya no me quedarán ni los amigos. Y sonrío para mis adentros.

 

 

 

La mujer de paja (1964)

 Una joya oculta me alegra la tarde

Gina Lollobrigida, Sean Connery y Ralph Richardson conforman un triángulo equilatero de dramaturgia casi perfecta

 

Tengo la edad que tengo, es decir, la edad con la que Sean Connery intervino en Indiana Jones y la última cruzada o la edad con la que la Gina se refugiaba en la TV norteamericana en una producción titulada El engaño. Y ahora me siento más dispuesto a rebuscar entre los catálogos virtuales de las plataformas (antes se llamaban videoclubes y tenías que salir de casa) en busca del cine de antaño que de la modernez. Los catálogos estos se asemejan también a los mercadillos, pues entre tanto producto que daña el ojo, puedes encontrar la ganga, un Ecce Homo de Caravaggio del que nadie había prestado atención en casa, pues ya no se sabía de qué familiar provenía.

Al grano, La mujer de paja (juro que el título no lo he puesto yo, en inglés suena mejor, Woman of Straw) es de esas joyitas gangas que rebuscando entre las bragas y demás prendas de lencería barata y kitsch te alegran el corazón y una tarde que, si no fuera por ella, me habría ido al bar Stop a emborracharme un poco.

Si me aprecian, y aprecian mi (buen) gusto cinéfilo, les recomiendo que inviertan 117 minutos de sus vidas en verla. Y luego me lo agradecerán. Está en Filmin, entre morralla varia. Y lo más curioso de todo es que hasta la fecha, y ya peino canas en el poco felpudo capilar que luzco, no he oído a nadie hablar de ella. Ni a Garci, que ya es decir.

De los triángulos en el cine, tenemos muchos y variados: Casablanca, El cartero siempre llama dos veces, Encadenados, Breve encentro, La condesa descalza o Memorias de África son algunos títulos que se me ocurren a bote pronto y bien conocidos. Es una fórmula que ha dado obras sobresalientes. De la que les hablo tiene una característica que no es frecuente, y es que los tres vértices del triángulo dramatúrgico tienen la misma importancia. De ahí lo de equilátero del subtítulo. Y ninguno de los tres personajes nos es al principio atractivo moralmente.

Para empezar con el casting, ¿no les parece un tanto peculiar juntar a la italiana con el escocés y con un actor inglés? Pues cada vez que triangulan la cosa funciona pero que muy bien. Nos falta el contexto para entender mi extrañeza en este reparto. 

 

El bueno de Connery venía de ser elegido, tras una dura elección organizada por el Daily Express, para su papel de James Bond en Agente 007 contra el Dr. No (1962) y que confirmaría con Desde Rusia con amor (1963). Era un don nadie hasta entonces. Dispuesto a no dejarse encasillar, y aprovechando el meteórico ascenso de su cotización a raíz del agente inglés, Connery intervino en 1964 en dos películas con distintos resultados en taquilla: Marnie de Hitchcock, con éxito, y La mujer de paja, que fue de escaso interés y de  poca rentabilidad en taquilla. Su papel de un ocioso y  codicioso sobrino de un multimillonario, dispuesto a cualquier cosa con tal de heredar la fortuna de su pariente, no logró alcanzar ni por asombro el éxito de Bond.

La actriz italiana venía de una carrera internacional que comenzó con otro triángulo notable, Trapecio (1956) de Carol Reed y que poco a poco se iría diluyendo en películas menos memorables en Hollywood. De ahí que volviera a Italia para un mediocre filme histórico y otro que era un mero vehículo erótico. Gina contaba con 37 años pero su belleza y talento no se había mermado como lo demuestra el proyecto británico del que les hablo. Su personaje de María, una enfermera que irá a atender a un rico británico en silla de ruedas y con tanta mala salud como mal genio, muestra que revisando su filmografía es uno de sus trabajos más destacados.

Ralph Richarson es un actor que más les costará ponerle cara. Sin embargo, ha trabajado con reputados directores como David Lean, Sidney Lumet, Rudolph Maté u Otto Preminger por poner tan sólo algunos ejemplos. Está magnífico en su papel de despótico y racista magnate inglés que trata a los criados negros como a perros y a sus perros mejor que a los criados. Los primeros quince minutos describen al personaje como hacía tiempo que no lo había visto hacer.

 

Y qué decir del director, Basil Dearden, un inglés que falleció a los 60 años y que tiene una prolífica filmografía de 41 películas. Sabe lo que es una puesta en escena, dónde colocar la cámara y cuándo moverla, cómo dirigir a los actores (compruébenlo en el momento, por ejemplo, de presentar a la enfermera), cómo iluminar y para qué darle esa luz a la escena (Otto Heller es el director de fotografía), el montaje hace que nada falte y nada sobre y, ante todo, entretiene sin desfallecer. Un director del que habrá que ver si esta obra fue un milagro ocasional o tiene más gangas por descubrir.

No quisiera dejar de mencionar el uso de la música clásica durante la trama. Fragmentos de Berlioz, de Beethoven -a los que se aluden en el guion-, de Mozart o de Rimsky-Korsakov acompañan a la historia de tal modo que parece un trabajo de orfebrería musical de lo bien engarzados que están esos fragmentos musicales. 

Lo dicho. Me voy a celebrarlo al bar Stop. Si me  emborracho será al menos de alegría, la que me ha dado La mujer de paja de Basil Dearden. Ese tipo de cine que no se hace ya ni que se programaría hoy en los festivales del mundo. Seguiré rebuscando entre bragas en el mercadillo.

 

Palmarés Fant 2024

El jurado de la sección oficial del Fant 2024 otorga su premio a una draculina sin colmillos

 

Vampira humanista busca suicida de la directora quebequesa y novel Ariane Louis-Seize logra el reconocimiento del Fant

Ariane Louis-Seize agradece al Fant el premio a mejor película 2024 en un breve vídeo emitido en la sala BBK el pasado viernes, 10 de mayo

El pasado viernes tuvo lugar la entrega de premios en la sala BBK de Bilbao (antes fue el teatro Gran Vía y después la sala Euskaltel). El momento más emotivo fue la entrega del Fant honorífico a Pedro Olea, director bilbainísimo, que aprovechó para agradecer que "uno sea profeta en su tierra". Un grupo de cantantes desde el anfiteatro le cantaron bilbainadas, algo que emocionó no solo a Olea sino al público asistente que acompañó con palmas la canción.

Como suele hacer el bueno de Santiago Segura, Olea aprovechó para promocionarse comentando que un productor de EE.UU.y otro británico habían comprado los derechos para sacar en blue-ray dos de sus películas por las que antes Sitges y ahora el Fant le han premiado honoríficamente: La casa sin fronteras (1972) y No es bueno que el hombre esté solo (1973). A la que habría que añadir otra que entra en el fantástico y que formó parte de la retrospectiva: El bosque del lobo (1970). Tanto esta como la anterior con un José Luis López Vázquez espléndido. Previamente fue el italiano Lamberto Bava quien recibió esa noche la misma distinción. Director, productor y guionista, Bava encajaba más en este galardón del Fant, pues se especializó en cine de terror y películas fantásticas, entre las que podemos citar Demons (1985) y Demons 2 (1986) y sus cintas de cine giallo como Cuchillos en la oscuridad (1983).

 

    Un emocionado Pedro Olea recibiendo el galardón del Fant Estrella del Fantástico en la sala BBK

 

No quiero dejar de señalar que, a diferencia de lo que en ocasiones pasa, el largometraje de clausura fue una grata experiencia. El último late nigth (2023) de Colin y Cameron Cairnes es una película australiana que te atrapa desde principio a fin. Los Cairnes nos llevan a los años 70 donde los late night televisivos en Estados Unidos tuvieron un gran predicamento. El protagonista, Jack Delroy, es el presentador del programa nocturno Búhos nocturnos. Su nivel de audiencia se resiente desde que su esposa muriese. El día que se emite el programa se celebra la noche de Hallowen, una buena oportunidad para elevar el índice de audiencia y salvar la continuidad del mismo. Sin embargo, nos anuncian que lo que vamos a ver es un footage film, es decir, un metraje encontrado que corresponde al último programa en directo de Búhos nocturnos. Tiene el aroma de La bruja de Blair pero realizado en un estudio y con la continuidad de tiempo y espacio, lo que hace que lo allí vemos vaya in crescendo en interés y dramaturgia. El programa va alternando el directo con las paradas publicitarias en las que vemos los intríngulis de aquello que se le hurta al espectador. Pero realmente lo interesante son los invitados, algunos momentos recuerdan cómo no a El exorcista, película que marcó la década de los 70 en el género del terror.

 

Lamberto Bava, hijo del ya fallecido Mario Bava, sosteniedo "el martillo" como designó al recibirlo a la letra T con perfilado de Frankestein, premio Estrella del Fantástico

 

 

Premios

De las que he podido ver, dos tocaban el tema del vampirismo desde una óptica juvenil. Ha sido la película de la canadiense Ariane Louis-Seize la que se llevó el premio principal, pues En attendant la nuit (2023) de Celine Rouzet no concursaba. 

Vampira humanista busca suicida está interpretada por una joven llamada Sara Monpetit que hace de Sasha. El arranque está espléndido. Sasha preocupa a su familia draculina pues no le salen los dientes para poder alimentarse mordiéndo a sus víctimas. ¡Nos ha salido humanista! La llevan al dentista, al psicólogo pero nada hace que surja su naturaleza vampírica. No puedo calibrar mucho el acierto o desacierto de la experiencia fílmica, pues la proyección en la sala BBK fue espantosa. De los 75 espectadores nadie protestó ante una proyección donde la fotografía de Gordon Willis en El padrino era más brillante que la que se veía en la pantalla de la sala. En esta no se veían los ojos de Marlon Brando pero en la de Ariane Louis-Seize no se veían en ocasiones ni las caras. He tenido que recurrir a un trailer de internet para ver que, aunque todas las escenas se rodasen de noche, al menos se veía mejor que en la BBK. Y luego nos quejamos de que las salas se mueren. La película se va diluyendo porque la historia no da más de sí, aunque los guionistas encuentren el filón que da sentido al título: Sasha halla un suicida del que poder alimentarse y, de paso, hacerle un favor. Pero claro antes de darle matarife y alegrar a su familia porque al fin ha echado los colmillos, podemos alargar la historia hasta los 90 minutos ya que Sasha le pregunta cuál es su última voluntad. El jurado vio en ella una "fantástica historia de amor contada desde la frescura, la juventud y la originalidad de estar conectada con la sociedad actual". Interesará a los antitaurinos, animalistas y a los adolescentes de Crepúsculo.

En attendant la nuit (2023), algo así como Esperando la noche según el traductor de Google, presenta algunos momentos de puesta en escena acertados. Vamos, que sabe escribir fílmicamente. Rouzet vino a Bilbao para recibir el premio Fantrobia, distinción a una figura emergente, una manera de dar un empujoncito a la mujer en su carrera. Con su primer largometraje, tras una labor de documentalista,  ha hecho una relectura del vampirismo también. En este caso como me confesó en rueda de prensa, la directora francesa quería hablar de aquellos que son diferentes, de los que no van a ser aceptados fácilmente por los demás. El caso de su hermano estuvo presente en la escritura de esta documentalista, pues ese "ser diferente" le llevó al suicidio. De ahí que utilizara la figura del vampiro, en este caso un joven que desde que nace en el seno de una familia burguesa, necesita sangre para alimentarse. Excelente el arranque en el que se ve el nacimiento del pequeño. A la hora de mamar su madre tiene dificultades para darle el pecho porque "le duele". Ante el consejo del doctor y la presencia del padre, ven cómo la criaturita al tomar el pecho hace que de él mane sangre llegando a empapar la sábana.

 

La directora Céline Rouzet recibe un dibujo basado en su película del artista Peio Cámara

De la sección Panorama, decir que fue He soñado con olas (2024) de Daniel Moreno García el que se llevó el premio. Lástima que las bases no permitan dejar desierto un galardón. Es cierto que la historia daba para mucho más pero ni la dirección, ni la actuación ni la fotografía ni... están a la altura del Fant. Como labor fin de curso de una escuela de cine, tiene un pase.

Lo más destacable en mi opinión de lo premiado es el premio al corto en Panorama, I am not a Robot de la holandesa Victoria Warmerdam. Son 22 minutos que funcionan como un reloj con alma Citizen y precisión Casio. La idea inicial es brillante: una editora de sonido no puede trabajar con su ordenador porque no supera la prueba del Captcha, sí esa que trata de averiguar si eres un ordenador o un humano para seguir con un programa informático. Tras varios intentos, llama al servicio de asistencia técnica, pues el programa le indica que tiene un setenta y pico por ciento de probabilidades de que ella sea un robot. El desarrollo es intrigante, pues llama a su marido para preguntar si ella es un robot. Y el desenlace está a la altura de las otras dos etapas narrativas. Nunca dos frases de guion pueden ser tan reveladoras de la existencia de un personaje. Ganó también en Sitges el año pasado.

De la cosecha de cine español vista en el Fant, hemos de comentar que la mediocridad ha sido la constante. La que inauguró el certamen, La mujer dormida (2024) de Laura Alvea es un relato fallido de inicio a fin. El relato del triángulo formado por un marido, su esposa que yace encamada y en estado vegetativo y la nueva enfermera (Almudena Amor) resulta inverosímil, predecible y soporífero a más no poder. 

Deviánt (2024), desviado en español, de Daniel M. Caneiro es un filme que se deja ver sobre el tema de la pederastia pero que no aporta ninguna novedad, salvo que se inicia casi como comedia blanca y acaba como comedia negra. A destacar la actuación de Alain Hernández y Fernando Albizu. Está rodada en Amurrio como curiosidad.

 

Tú no eres yo de Marisa Crespo y Moisés Romera parte de una buena idea. La oenegera Aitana (esforzada Roser Tapies) viene por sorpresa a la casa familiar por Navidad con su pareja lésbica y un bebe negro adoptado. Aitana descubre que su familia ha prohijado a una refugiada rumana. Algo que pondrá en solfa sus valores y principios. La puesta en escena es roma, sin el acierto desasosegante de, digamos, La semilla del diablo. Un quiero pero no puedo. El popurrí de idiomas hasta seis creí contar no ayuda. En rueda de prensa los directores tuvieron el valor de afirmar que en ocasiones la búsqueda de financiación pública les obliga a meter aspectos sociales, algo a lo que no han querido doblegarse pues les gusta el terror sin trasfondo social.

 

De izq. a dcha: la actriz Roser Tapias, y los directores de Tú no eres yo Marisa Crespo y Moisés Romera

 

De lo que ví en sección oficial, quiero resaltar varias películas que merecen la pena. En primer lugar, Sleep (2023) del coreano Jason Yu. Obra redonda donde se narra las dificultades de un actor para dormir y cuyas consecuencias empezarán a deteriorar su matrimonio. Funciona sin tiempos muertos en su hora y media, y lo que se inicia como un problema médico va derivando a lo paranormal para volver a la senda de lo racional. Un buen final a la altura de las expectativas del arranque. Como anécdota comentar que el actor Javier Botet nos acompañó en un improvisado cineforum a la salida de la sala y nos reveló su muy atinada interpretación del final.

No quiero dejar de comentar lo sucedido con La teoría universal de Timm Krögger, película que me parece que ha sido despreciada allá por los festivales donde ha pasado: Sitges, Seminci y ahora el Fant. Pero bueno, seré yo el equivocado, y donde veo rosas, otros ven cardos. Y, por último, Moscas de Aritz Moreno, la única película española que se salva con nota de la cosecha patria vista en el Fant. Espléndido Ernesto Alterio (Machi) en una historia que trascurre en la Argentina y donde el hallazgo de un cadáver en el maletero de un automóvil se convertirá en una pesadilla para el empresario Machi.A destacar un actor enano, o como se diga ahora sin ofender al 1,47 m de estatura, Tomás Pozzi que está como un gigante en las pocas secuencias en que aparece. Aritz tuvo la ocurrencia acertadísima de darle el papel de malo. Guasón.

Les dejo con el leitmotiv de esta 30ª edición del Fant. Las actrices nos amenizaron, es un decir, con la rememoración de momentos de Pesadilla en Elm Street de Wes Craven tanto en la sesión inaugural como en la de clausura. Lástima que Freddy Krueger no acabara con ellas. Una pesadilla en escena.

 

 

Fant 2024

Los directores Pedro Olea y el italiano Lamberto Bava premios Estrella del Fantástico del Fant 2024

El actor Javier Botet y el productor bilbaíno de animación Iván Miñambres serán los que recojan el premio Fant de Honor

 

La pasada semana el Ayuntamiento de Bilbao presentó la que será la 30ª edición del Fant, evento de cine fantástico que tendrá lugar del 3, viernes,  al sábado 11 de mayo. La inauguración tendrá lugar en el Teatro Campos Elíseos, el meollo de la programación durante la semana será en la Alhóndiga (cines Golem) y la clausura en la sala BBK.

 

Inauguración

El viernes 3 de mayo arrancará oficialmente la edición 30ª del Fant con una gala que se celebrará como suele ser habitual estos últimos años en el Teatro Campos. Según informaron Justo Ezenarro, director, y Eugenio Puerto, programador del festival, será La mujer dormida (2024) de la directora Laura Alvea, un thriller psicológico protagonizado por Almudena Amor y Javier Rey, la que lo inaugure. Además, se proyectarán 13 cortos vasco dentro de Fant Laburrean-Euskal Filmak.

Dentro de esta sesión de apertura, el Fant entregará sendos premios de honor al actor Javier Botet y al bilbaíno Iván Miñambres. Botet tiene una dilatada filmografía a pesar de sus 46 años. Su peculiar físico, espigado y delgado, le ha permitido intervenir en filmes de suspense con directores de la talla de Jaume Balagueró, Paco Plaza, Andy Muschietti, Aritz Moreno o James Wan. De entre sus películas más conocidas, podemos destacar Rec (2007), Alien: Covenant (2017), Expediente Warren: el caso Enfield (2016) o It (2017).

El portugalujo Iván Miñambres también verá reconocido su labor esa noche por su labor. Fundó Uniko en 2009, productora especializada en animación. Con ella produjo su primer corto Birdboy dirigido por Alberto Vázquez y Pedro Rivero que obtuvo el Goya de animación. Desde entonces ha participado en la producción de 12 cortos -de los que quiero destacar la magnifica sátira distópica titulada Loop (2021)- y 3 largometrajes, de los cuales Unicorn Wars (2022) logró también el Goya.

Sección oficial

 

18 son las películas seleccionadas en esta edición. Se proyectarán en el auditorio Azkuna Zentroa y en los cines Golem Alhóndiga y aspiran a los premios Fant 2024 al mejor largometraje y a los premios de Mejor Guión (concedido por la Asociación de Guionistas Vascos) y a la Dirección más innovadora (dado por el Cineclub FAS). 

 

De entre el cine patrio, vamos a destacar la notable Moscas (2023) del director donostiarra Aritz Moreno, que cuenta con una interpretación magnífica de Ernesto Alterio haciendo de hombre de negocios que se encuentra con un cadáver en su maletero del que tratará de deshacerse. Tuve la suerte de verla en Sitges sentado junto al realizador Paul Urkijo. A ambos nos gustó aunque no entendiésemos el final. Fue rodada en Argentina antes de que el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina se levantara en armas contra Javier Milei y sus tijeras podadoras. La acompañarán el segundo largo de Daniel M. Caneiro, el thriller Deviant (2023), y dos películas más de terror, La sombra del tiburón (2024) de Gonzalo López Gallego y Tú no eres yo (2023) de Marisa Crespo y Moisés Romera.

 

 

 

La fascinante La teoría universal (2023) estará en la sección oficial

 

 

Del cine europeo, destacamos La teoría universal (2023), una película alemana fascinante, dirigida por Timm Kröger, y que ya pasó por Venecia, Sitges y Seminci. No es película fácil, pues la narrativa juega con los saltos temporales que pueden hacerla incomprensible, pero la historia de amor, sus personajes, su fotografía en blanco y negro y la música de Diego Ramos Rodríguez la hacen muy hipnótica. Tiene algo especial. El tiempo dirá si se convierte en un clásico del género fantástico.

 

También hemos de resaltar la coproducción italo-francesa, ¡Linda quiere pollo! (2022) de Chiara Malta y Sebastien Laudenbach, película de animación de 75 minutos de duración sobre las relaciones madre e hija, que tuvo su repercusión en el Festival de Animación de Annecy y en los premios César franceses. De Canadá nos viene Las habitaciones rojas (2023) de Pascal Plante, historia donde una mujer se obsesiona por el caso de Ludovic Chevalier, un asesino en serie, y en el que la realidad y las fantasías morbosas se entremezclan.

Dentro de la comedia de terror subsección zombis, destacamos We Are Zombies (2023), una producción franco-canadiense dirigida a seis manos, con un tono a despiporre y diversión. También canadiense, y dentro de la subsección vampiros, tenemos Vampira humanista busca suicida (2023) de Ariane Louis-Seize que cuenta la histora de una adolescente vampira que tiene problemas con sus colmillos. La historia de venganza de una mujer mayor cuya vida fue destruida por un tutor legal se recoge en otro filme canadiense: The G (2023) de Karl R. Hearne.

De la siempre interesante y prolífica Corea del Sur nos vienen dos películas: Killing Romance (2023) de Wonsuk Lee, una agradable comedia romántica  con tintes de thriller sobre una famosa actriz que, en un bache de su carrera, recibe una propuesta matrimonial de una especie de príncipe millonario extranjero; y dirigida por Jason Yu, Sleep (2023) nos narra la historia de una mujer embarazada que comienza a preocuparse por los problemas de sueño de su esposo que empiezan a ser pesadillescos. El lote de cine asiático se cierra con San gui qing shi (2023) de Siyi Liu.

 

Lluvia ácida (2023) de Just Philippot participará en la sección oficial

 

La sección oficial también ofrece cine serbo-croata con The Uncle (2023), estadounidense con Hippo (2023), francés con la historia de supervivencia y catástrofe medioambiental titulada Lluvia ácida (2023), o inglés con Raging Grace (2023) en torno a los cuidados de un anciano por una inmigrante sin papeles. Por último, la australiana El exorcismo de Eastfield (2023) tocará la temática de las posesiones basada en un caso real.

Clausura y otras proyecciones

El viernes 10 mayo se entregarán en la sala BBK sendos premios Estrella del Fantástico, el principal galardón del Festival, al bilbaíno Pedro Olea y a Lamberto Bava.

 

 

No es bueno que el hombre esté solo (1973)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El bosque del lobo (1970)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Olea cuenta con algunas películas dentro del género muy loables y que han aguantado muy bien el paso del tiempo. Me estoy refiriendo a No es bueno que el hombre esté solo (1973) con José Luis López Vázquez y Carmen Sevilla, la cual se podrá ver dentro de la sección Maestros del Fant el jueves 9 en la sala 1 de los Golem; El bosque del lobo (1970) también con López Vázquez en un caso de licantropía muy verista, que se proyectará el domingo 5 en la sala 2; y La casa sin fronteras (1972), una solapada crítica al Opus Dei e interpretada por Geraldine Chaplin y Tony Isbert, programada para el lunes 6 también en la sala 2 de los Golem.

Lamberto Bava es un director, productor y guionista de cine italiano que se ha especializado en cine de terror y películas fantásticas. Podremos ver una muestra de su filmografía en la sala 2: el martes 7, Bahía de sangre (1971), el miércoles 8, Un hacha para la luna de miel (1970) y Shock (1977), de la que fue coguionista y dirigida por su padre Mario Bava.

El Fant también programará en la sala 2 de los Golem la sección Panorama Fantástico con 7 largometrajes y 9 cortos. Las entradas para esta sección son gratuitas hasta llenar el aforo.

 

Mátrix (1999), una renovación del Fantástico, se podrá ver el

 

 

Por último, fiel a su cita, la 30ª edición del Fant vuelve a programar clásicos del género para que se puedan disfrutar en pantalla grande. En esta ocasión tenemos la proyección de la norteamericana Mátrix (1999) de Lana y Lilly Wachowski y El arte de morir (2000) dirigida por Álvaro Fernández Armero, protagonizada por Fele Martínez y María Esteve, un slasher español muy poco valorado.

Y una novedad, se podrá ver Excálibur (1991) de John Boorman dentro de la sección el clásico del público, película que más votos obtuvo entre los seguidores de las redes sociales del festival.

La británica Excálibur (1991) será el Clásico del Público

Entradas y Palmarés

Las entradas para la sesión inaugural y la sesión de cortos vascos podrán adquirirse en el Teatro Campos al precio de 5 euros cada una, y para la gala de clausura y las proyecciones del palmarés en la sala BBK al mismo precio.

 

Las entradas para las proyecciones programadas en el Auditorio Azkuna y la sala 1 de los Golme Alhóndiga también estarán a la vente al precio de 5 €.

Las entradas se podrán adquirir desde el martes 23 de abril con un precio de 4 € si se está en posesión del carné del cineclub FAS o del carné de Azkuna Zentroa.

Finalmente, el acceso a la sala 2 de los cines Golem Alhóndiga será gratuito hasta completar aforo.

El palmarés del Fant 2024 se conocerá el viernes 10 de mayo en la sala BBK. En este mismo lugar se podrán ver los principales títulos premiados en dos sesiones especiales el sábado 11: a las 17:00 el palmarés de la sección Panorama Fantástico y a las 19:00 el palmarés de la Sección Oficial.

Una fecha de estreno: 6-12-1977

¿Quién es Ben Burtt?

 

Una señal inequívoca de que te sientes mayor es que el ojillo izquierdo va hacia el espejo retrovisor de la vida, en lugar de mirar lo que la carretera te ofrece por delante, el futuro. Por eso estos días, en que he sabido del reestreno de La amenaza fantasma (1999), he estado recordando una fecha, bueno la datación del recuerdo es complicada porque no tengo nada material que lo fije (ni foto, ni tique de entrada, ni de autobús, nada). Así que determinaremos la fecha mediante un método indirecto, algo así como la prueba del carbono 14.

Me estoy refiriendo al día en que mi tía Pura me llevó a la sala Astoria de Bilbao, sita en la plaza Campuzano, a ver La guerra de las galaxias (la que luego Lucas apostillaría como Episodio IV: Una nueva esperanza). Tendría diez u once años. Como comprenderán si ir a Bilbao era como salir de la Tierra, ponerte delante de aquella pantalla era como salir a la Vía Láctea. Fanfarria de John Williams y unos títulos de crédito un poco raros: salen de debajo y se disipan en el horizonte y cuando las notas musicales se  ponen misteriosas, ¡zas!, un crucero estelar donde  viaja la princesa Leia aparece en cuadro. Está siendo atacada por... Y aquí viene el milagro de la composición en el cine que no se me podrá olvidar jamás. George Lucas, director, decide que el destructor imperial de Darth Vader entre por la parte superior del plano. Ustedes pensarán que es una tontería, algo poco determinante. Pues no. La impresión de acojone, de majestuosidad, de poderío, de enormidad y de capacidad de aniquilamiento de aquel destructor entrando por la parte superior del encuadre es inmensa y cautivadora. Un hallazgo compositivo impactante. ¿Original? No lo sé. Tal vez haya habido otro director antes que lo usara.

 

🎬 A falta de presupuesto, imaginen el destructor aquí. 

 

Yo era un niño de diez años, algo más talludito que Totó en Cinema Paradiso, pero había nacido para la sensibilitá como diría el bueno de Jep Gambardella. En casa sólo se compraba El Correo los domingos. No me digan por qué. Así que imagino que mi tía, estoy fantaseando, vería un día tal como el 6 de diciembre de 1977 un anuncio de una peli a toda página en el periódico. Un pastón para el dueño del Astoria en aquella época. Algo así como...

 

Excepcional estreno exclusivo quería decir que sólo en ese cine se podía ver durante un tiempo.  Ahora son las plataformas las que tienen estrenos exclusivos.

Y, claro, ella no se podía privar de ver la mejor película del año. Así que me agarró un domingo y allá que me llevó. Como la película se estrenó en el Astoria el 6 de diciembre de 1977 y continuó hasta el jueves 3 de febrero de 1978, debe de ser algún domingo de los que están comprendidos en ese periodo. Al día siguiente la película pasaría al Filarmónica, y allí estuvo hasta el día 17 de marzo en que la cadena Astoria la pondría en el cine Multis 5, permaneciendo hasta el 10 de mayo. En total el empresario de la cadena Astoria, Julián Vinuesa, la estuvo proyectando medio año de seguido en Bilbao.

 

El Sonido, un evocador de imágenes

 

La guerra de las galaxias tenía otro as en la manga: el sonido. Porque ¿cómo debería sonar todo en una película de fantasía, en una space opera?  George Lucas fichó a Ben Burtt, un licenciado de 27 años que había estado pegando un micrófono debajo de prácticamente todo desde la niñez. "Colecciona sonidos raros, curiosos", le pidió Lucas. Así que se puso a grabar sonidos de todo tipo: desde los obtenidos en un aeropuerto hasta los provocados golpeando cables tensores en busca de los mejores sonidos para las naves espaciales, las armas láser y los sables de luz. Lo que finalmente entregaría al director tras treinta años después definiría no solo las películas de La guerra de las galaxias sino los efectos sonoros de ciencia ficción de varias generaciones de espectadores. 

Aquella irrupción en pantalla de dos naves espaciales en batalla desigual había que pintarla sonoramente. Sí, ya sabemos que en el espacio no se oye nada, el más absoluto silencio de Dios, pues nada se transmite al no haber atmósfera. Eso lo veíamos en 2001, una odisea del espacio. Pero el director de American Graffiti lo que quería crear era una fantasía, en el polo opuesto de lo que ofrecía Kubrick. De ahí que una de las obsesiones de Lucas era que cada sonido que se oyera en la película tenía que ser inventado.

Por eso recuerdo casi más toda aquella panoplia de sonidos que aparecían en el filme gracias a Ben Burtt que sus poderosas imágenes. Por ejemplo, las tres voces familiares: R2-D2, C-3PO y la de Darth Vader. Sin olvidar la espada láser, su color y sonido. Mi amigo Gaizka trajo un día al trabajo una réplica y ya contábamos más de 40 tacos, señal de la fascinación que ejerció en nuestra niñez.

El truco para conseguir la voz de R2-D2 lo logró Lucas al grabarse arrullando, pitando y silbando en un magnetófono que luego Burtt pasó por un sintetizador, y fue retocando el tono y la velocidad hasta dar con la voz adecuada para cualquier situación. 

En cuanto a C-3PO surgió durante el rodaje, pues Anthony Daniels, el actor dentro del androide, había hablado a la manera de un quisquilloso mayordomo inglés, algo entendible pues Daniels había nacido en la británica ciudad de Salisbury.

Y, por último, y no lo menos importante, la voz de de Darth Vader. A Ben Burtt se le ocurrió grabarse su respiración a través de una máscara de buceo, pero no tenía idea de cómo sería la voz del personaje. El director pensó en que fuera una voz autoritaria y se acordó de Orson Welles, pero decidió, tal vez con acierto, que quizás fuera demasiado conocida. Así que acudió al actor James Earl Jones, pues tenía una voz grave, natural e intimidante. Jones no quiso aparecer en los créditos pues creía que él solo formaba parte de los efectos especiales.

No sé quién escribió esta reseña crítica en el año 1977 en El Correo porque no está firmada, pero creo que da la clave de por qué George Lucas dio con la clave del éxito, un éxito que siempre se apoya en lo que necesita el inconsciente colectivo de una época:

"El hecho de que esta película USA de fulgurante fantasía y un tanto infantil sea capaz de establecer un récord taquillero de muchos años, es posible tenga la virtud de cambiar la mentalidad  de los productores, relegando a segundo término el género de violencia, drogas y erotismo, ahora en vigor, para volver al cine más optimista y apto para todos los públicos como la presente historia en que el bien termina siempre venciendo al mal".