Palmarés de la 69ª SEMINCI

 La Espiga de Oro de la Seminci va a parar a una comedia francesa titulada "Misericordia" del director veterano Alain Guiraudie

Además, Guiraudie logra el Premio a Mejor Guion y las Espigas de Plata a Mejor Película, segundo en importancia, han sido ex aequo para la cinta española Polvo serán de Carlos Marques-Marcet y para la de Singapur Stranger Eyes de Yeo Siew Hua. En cuanto, a interpretación, el de Mejor Actor va a los dos intérpretes de la noruega Sex de Dan Johan Haugerud y el de Mejor Actriz para María Laura Weissmahr, protagonista de Salve María, de Mar Coll.

El francés Alain Guiraudie al los brazos al saberse ganador de la Espiga de Oro

Tras años y años de quejarme de que los festivales siempre han ninguneado las pocas Comedias, así con mayúsculas, que programan a la hora de premiarlas, y ahora que la Seminci va y otorga el máximo galardón a una, pues me sabe mal quejarme. Y si lo hago, se debe a que, de entre las 22 obras que participaban en lograr la Espiga, este año había un ramillete de películas que podía habérsela adjudicado sin que uno pusiera el grito en el cielo. Porque digámoslo ya, la 69ª edición ha reunido una nutrida selección de obras notables y otras buenas películas, pero no he hallado la película que me haya enamorado, que le haga a uno decir: me quedo con esta por encima de todas. 

Aquí dejo a modo de inventario las que, en mi opinión, podrían haberse llevado la gloria y haber escrito en moldes de oro su nombre en la Historia de la Seminci: 

1. Vermiglio de Laura Delpero, su segundo largometraje. Crónica de una familia del norte de Italia en las postrimerías de la II Guerra Mundial. Evoca con planos en claroscuros y estáticos, una realidad que pretende ser más pictórica que cinematográfica, donde los personajes y los paisajes del pueblo donde transcurre la historia son más relevantes.
2. La cocina de Alonso Ruizpalacios. El mexicano logra retratar con una puesta en escena muy poderosa y entretenida el microcosmos de una cocina de un restaurante en el corazón de Nueva York.
3. Black Dog de Guan Hu. Visualmente embriagadora también como Vermiglio aunque en otro registro, pues su formato es el de los Western aunque llevado al desierto de Gobi con un protagonista que, como el Hombre sin nombre de los filmes de Leone, apenas habla.
4. Bob Trevino Likes It. Primer largometraje de su directora, Tracy Laymon. Logró emocionar al público del Teatro Calderón (doy fe por los snip-snips oídos) con una historia de una veinteañera que busca un verdadero padre cuando el que tiene no da la talla por su narcisismo. Sus diálogos soberbios y, sobre todo, la química entre Barbie Ferreira y John Wick traspasa la pantalla de cine. Se nota que partía de una experiencia propia de Laymon.
5.  The Brutalist. Haberla programado para concursar fue un error, pues conociendo cómo se las gastan los jurados, estaba seguro de que no le iban a dar ni las gracias, y menos algún premio. La obra de Brady Corbet estará en las nominaciones a los Oscar, sí o sí. La vida del arquitecto húngaro y judío László Toth en Estados Unidos, tras huir de la persecución nazi, no se verá recompensada como se merece, pues un extranjero en la tierra de la libertad y las oportunidades será siempre un extranjero, con lo que implica esto en cuanto a integración social. La BSO acompaña soberbiamente esta tristísima historia.
6. Tres kilómetros al fin del mundo del rumano Emanuel Pârvu, si me apuran, también podría haberse llevado el premio gordo. Enmarcada en esa Nueva Ola del cine rumano surgida en 2004, Pârvu narra una historia que se ve con mucho interés sobre la no aceptación de la homosexualidad en la sociedad rumana. Lo mejor es que no hay maniqueísmos ni subrayados de tesis, peligro más que evidente.

La directora de Vermiglio, Maura Delpero, posa para nosotros

El cine español ha estado representado por un buen puñado de obras, con mayor o menor valía. Sin embargo, ninguna de las obras de la sección oficial, salvo Polvo serán -que no pude verla-, han concitado mucho entusiasmo entre la crítica. Unas porque se movían en un terreno artístico más dirigido al gran público (Fin de fiesta, Verano en diciembre); otras por ser obras minoritarias (caso de En la alcoba del sultán) y, por último, las que están un terreno intermedio como puedan ser Salve María o Rita, con una orientación a un público que guste de ciertas temáticas actuales (la maternidad no aceptada o el maltrato doméstico).

Reseñar también la importancia de la restauración y el hecho de poder ver el cine en pantalla grande. Dentro de esta sección denominada Memoria y Utopía pude disfrutar de La mujer sin rostro (1947) del realizador sueco Gustaf Molander con un guion de un joven Ingmar Bergman, en la que ya se apuntaban varios de los temas que abordaría en sus posteriores realizaciones ya como director. Mucho cine de ahora queda a la altura de betún si comparamos cómo se iluminaban las escenas antes y cómo se hacen (si es que se hace) hoy en día.

No quiero dejarme en el tintero el mencionar uno de los eventos ya tradicionales en el marco de las actividades de la Seminci como fue la proyección en el Centro Cultural Miguel Delibes de la película muda La muchacha de Londres (Blackmail, 1929) de Alfred Hitchcock. Mi satisfacción por haber podido llevar a dos niñas de nueve y doce años a una experiencia única: la proyección de una obra en blanco y negro con la interpretación musical en directo bajo la batuta del director estadounidense Timothy Brock al frente de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. La BSO de la película se realizó en 2008 gracias al compositor británico Neil Brand, cuya orquestación se encargó el propio Brock. La muchacha de Londres es la última película muda de Hitchcock y la primera sonora que realizó el maestro del suspense, pues rodó dos versiones del filme en 1929, en pleno proceso de transformación de la industria cinematográfica por la irrupción del sonoro. 

Un emocionado Alfred Hitchcock al ver que sigue triunfando entre la juventud con su obra La muchacha de Londres

Espiga de Oro y Guion

El Jurado presidido por la directora ateniense Sofia Exarchou decidió que Misericordia de Alain Guiraudie fuese elevada al altar. Esta comedia con aroma a thriller rural y a modo de cuentito nos relata la llegada de Jérémie (Félix Kysyl) a su pueblo para asistir al funeral del panadero para el que trabajó en el pasado. Jérémie se instala en la casa de la viuda lo que da pie a los recelos del hijo del fallecido y la hostilidad hacia aquel. Conforman el grupo de personajes, un antiguo amigo de la juventud, un cura rural y una pareja de gendarmes que provocan ciertas situaciones cómicas.

El deseo es el tema principal, motor que mueve a los personajes a cometer los actos y conflictos que surgen en la película. Lo que sucede es que aun siendo comedia, este deseo de índole sexual parece arbitrario, deus ex machina en todo momento. Jèrémie es un pan sin sal, que desea y es deseado por el resto de los personajes. Todas las sorpresas del guion están concebidas en mi opinión para lograr la irreverencia gratuita -véase al cura empalmado- o la comicidad de modo un poco forzada -el policía que comete allanamiento de domicilio en busca de pruebas-. 

En primer plano, José Luis Cienfuegos director de Seminci, que acompaña al director de Misericordia, ganadora de este año

Misericordia bebe del cine de Claude Chabrol  con tintes negros y cierta ambivalencia moral -memorable la escena de confesión, donde se invierten los papeles y es el cura el que se confiesa a Jérémie- y con una cierta rememoranza a una obra hitchcockiana como es Pero, ¿quién mató a Harry? en lo argumental y en el tono. "Su ligereza oculta un complejo equilibrio de géneros y tonos, bajo cuya apariencia de thriller-comedia provinciana se esconde una profunda meditación sobre cómo el deseo y la culpa nos hacen predecibles e incomprensibles los unos para los otros", reza el comunicado del Jurado.

Por si no fuera poco, Alain Guiraudie recibió el premio Miguel Delibes al mejor guion. En la rueda de prensa, el director comentaba que adaptó una parte de la novela Rabalaïre, publicada por el propio Guiraudie en 2021. "Su estructura intrincada (!), transiciones de ritmo perfecto (!!), giros e ingenio (poco) que, sin embargo, deja mucho espacio para la fluidez, la gracia y la reflexión" es la justificación  a este premio. Tan sólo memorable es la escena en que el protagonista, viéndose acorralado por la policía, se acerca a un acantilado. Allí aparecerá el cura rural que hace una reflexión muy interesante y justifica el título de la película. Poquito más, créanme.

Espiga de Plata

Raro es una edición en la que no se repartan premios ex aequo. Da la impresión de que o bien ha habido desavenencias entre los miembros del jurado, o bien hay que repartir cuota de "pesca" para que todos estén contentos. Es el caso de la Plata que fue a dos películas muy distintas: Stranger Eyes del singapurense -nunca pensé que tuviera que usar este gentilicio- Yeo Siew Hua y Polvo serán de Carlos Marques-Marcet. 

Stranger Eyes se llevó la Espiga de Plata, ex aequo

Stranger Eyes es un thriller muy visual. Lástima que lo viésemos en el Teatro Cervantes, una sede que no está a la altura de la Seminci. Narra la desaparición de una niña de dos años de un joven matrimonio en Singapur. La trama en la primera de las dos partes se ve con bastante interés, pues las pesquisas obvian el trabajo policial y se centran en la familia y en la búsqueda que ellos hacen por su cuenta. Además, unas cintas de vídeo que reciben incrementan el misterio, pues son conscientes de que alguien les está grabando en su día a día. La segunda parte presenta un giro inesperado, con una visión desde otro punto de vista, pero que a mí me resultó menos redonda por un guion menos logrado. No deja de tener interés, pues habla de algo muy común hoy en día: la hipervigilancia en la sociedad con las cámaras de seguridad y las personales. Como atinadamente comenta un policía, hoy en día para atrapar al delincuente tan sólo hay que observar.

El director (izq.) Carlos Marques-Marcet junto a los actores Ángela Molina y Alfredo Castro 

De Polvo serán no puedo opinar. El día en que saqué la entrada me confundí de hora y no pude verla. Sé que entre los críticos de cine, gustó bastante. El filme de Carlos Marques-Marcet tuvo el honor de inaugurar el festival. Polvo serán está interpretada por Ángela Molina y Alfredo Castro y "aborda con sensibilidad e incluso alegría el confrontamiento entre la mortalidad y la vida de una familia, gracias a las extraordinarias interpretaciones de auténticas leyendas del cine", indica el Jurado. 

Si ya tuve bastante en el Zinemaldia con el tema de la muerte y sus aledaños, la de Marques-Marcet también lo toca: una mujer diagnosticada con una enfermedad terminal decide ir a Suiza para poner fin a su vida. Lo original de esta realización es que se construye con números musicales coreografiados por La Veronal y por una banda sonora compuesta por María Arnal.

Mejor director

 De China nos vino la única película a concurso: Black Dog. Guan Hu, su realizador, se lleva con todo el merecimiento este premio. Fue una de las sorpresas agradables del certamen, si no la mayor. Venía de ser ganadora de la sección Un Certain Regard (Una cierta mirada) del Festival de Cannes. 

Póster de Black Dog, que se llevó dos merecidísimos premios, dirección y fotografía

La historia nos narra la vuelta a su pueblo de un exconvicto que ha pasado encerrado unos años por un homicidio involuntario. La acción transcurre los días previos a los Juegos Olímpicos de Pekín, allí se encontrará con un pueblo que ya no tiene nada que ver con lo que él vivió, donde entre otras cosas, hay una manada de perros que son causa de muchos problemas para los habitantes. El protagonista habla poco, lo cual es un acierto para esta obra que tiene una potencia visual y un guion impredecible. La dificultad, que está muy bien salvada, es la aglomeración de elementos narrativos, líneas argumentales con ciertas notas de humor, que al final logra casar en un equilibrio que roza la perfección. Dicen que tiene influencias -incluido un cameo- del maestro Jia Zhangke. Pues he de decir que en esta ocasión, el discípulo ha superado al maestro, cuya obra Caught by the Tides -programada en la sección Punto de Encuentro- me resultó tan enervante y aburrida que tuve que marcharme del cine tras media hora de proyección. Un director a tener muy en cuenta en el futuro.

Mejores interpretaciones

Indica la nota de prensa de la Seminci que los actores que han convencido al Jurado comparten, en lo que se refiere a los personajes que interpretan, el cuestionamiento de los roles tradicionales masculinos y femeninos. Yo creía que un actor solía recibir un galardón por una interpretación convincente, emocionante, verosímil, que hiciera reír o llorar, indignar o empatizar, atemorizar o que nos hiciera ver lo ridículo de tal o cual rol. Ahora todo parece apuntar a que lo que se valora es lo ideológico, si está en la misma cuerda de uno, claro.

La sonriente Laura Weissmahr (izq.), actriz ganadora junto a la directora Mar Coll por Salve María

Laura Weissmahr es una actriz de escasa filmografía hasta ahora pero que con una "feroz autenticidad encarnando las múltiples contradicciones de una de las figuras más complejas de la sociedad -una madre reticente y problemática" logra ser la favorita del Jurado. Con su premio en Salve María ya está instalada en el mapa actoral. Reconozco que su labor interpretativa en la obra dirigida por la barcelonesa Mar Coll tiene su mérito. Sin embargo, ni el tema ni la forma en que aborda Coll la experiencia de la maternidad como algo dramático y con tintes de thriller me hace que valore en su justa medida la interpretación de Weissmahr. Gustó a muchas espectadoras, tal vez porque la hayan visto con empatía. No es mi caso, que tuve ganas de asesinarla y a su empanado marido, un pan sin sal encarnado por el actor Oriol Pla. Trata la historia de María Aguirre, una escritora que acaba de tener su primer hijo. Un día ve en televisión la noticia de un infanticidio, lo cual le estimula para investigar las causas de este fenómeno, y así convertirlo en su próxima novela. Pero su recién nacido hijo parece entorpecer lo que a ella más le gusta: escribir.

Mar Coll adapta una novela titulada Las madres no de Katixa Agirre con una envoltura de thriller en lugar de puro drama. No creo que esté acertado. El público decidirá viéndola o no.

Jan Gunnar Roise y Thorbjorn Harr lograron el premio a Mejor Actor por Sex

El premio al Mejor Actor lo comparten los dos protagonistas de la película del noruego Dan  Johan Haugerud, Sex: Jan Gunnar Roise y Thorbjorn Harr. Tras pasar unas 23 películas por mis retinas, Sex me sobrevino en mal momento, pues es una realización verborreica sin igual. Me pasé más tiempo leyendo los subtítulos que valorando a estos dos actores que interpretan a dos deshollinadores heterosexuales que empiezan a replantearse sus certezas en torno a la sexualidad. Sex arranca en un descanso de trabajo con sendas confesiones: uno le cuenta que ha tenido un encuentro sexual fortuito con un cliente; el otro le narra un sueño en el que es visto como mujer por David Bowie (!). A partir de ahí, la historia irá alternado secuencias de la vida familiar de ambos: uno porque le confesará su relación sexual esporádica a su mujer, lo que da pie a una crisis matrimonial; y el otro, la parte más cómica, alternará conversaciones impagables con su hijo adolescente y su esposa, cristianos. El filme por momentos parece un ensayo sobre la sexualidad y el rol masculino. Cada secuencia es aireada con planos exteriores de la ciudad donde desarrollan su trabajo los deshollinadores. Si lo edita, tal vez tenga mayores ventas editoriales que con la realización cinematográfica.

 Mejor Fotografía y Montaje

Que la fotografía recaiga en Weizhe Gao por la película Black Dog de Guan Hu es de recibo. Si hubiera recaído en la italiana Vermiglio no habría sido un desvarío. Posiblemente las dos obras cinematográficas más cuidadas en lo expresivo de la luz. No olvidemos que la escritura fílmica se hace con la iluminación, aspecto expresivo que muchos realizadores olvidan, sobre las películas francesas y españolas que hemos visto en sección oficial. El uso maravilloso del paisaje, la luz y el encuadre (formato panorámico o widescream) logra elevar la historia de Black Dog a niveles de epopeya sin hurtar los momentos más emotivos del drama del personaje.

La fotografía de Black Dog mereció su recompensa en la Seminci 2024

El premio José Salcedo al Mejor Montaje ha recaído en una película que me aburrió soberanamente: Grand Tour de Miguel Gomes. Elevado a los altares de la modernez, Gomes articula un argumento mínimo para enjaretarnos durante más de dos horas la huida y búsqueda entre los miembros de una pareja de prometidos que llevan siete años sin verse. La historia arranca a principios del XX. Nos hallamos en Rangún (Birmania) en 1917. Edward es un funcionario del Imperio Británico, el cual huye de su prometida Molly justamente cuando ella arriba a la ciudad. El director portugués nos mete voces en off a lo largo de los viajes por varias ciudades asiáticas que hace Edward, intercalando imágenes del pasado y del presente. Ya cuando el espectador está más que desorientado, vuelve al inicio para contarnos el mismo periplo pero desde el punto de vista de la prometida. En esta ocasión el relato se hace más melodramático y con menos ínfulas artísticas. 

Premio del Público y otros

Sin duda alguna, y en los muchos años que llevo cubriendo festivales, rara vez el Premio del Público se otorga a una mala película. En este caso el voto del público se ha decantado por el cine independiente norteamericano al elegir a Bob Trevino Likes It de Tracie Laymon, una notable obra que entremezcla con acierto el drama y la comedia con dosis suficientes de ternura. Con la directora tuve la suerte de poder toparme en la Plaza dorada de Valladolid y poder hacerme una fotografía junto con mis compañeros de la crítica. Me hizo gracia que Laymon nos pidiese que la votásemos para este premio, cosa que no fue necesaria como se pudo comprobar. Los diálogos de esta obra parecen literatura del Siglo de Oro comparados con la ganadora francesa a Mejor Guion.

En el centro, la directora novel Tracie Laymon junto a afilados críticos de cine. Premio del Público

Poquito premio me parece el que se llevó Emanuel Pârvu con su Tres kilómetros al fin del mundo, que recibió la Espiga Arcoiris, reservada a obras de temática LGTBIQ+. De juzgado de guardia, la Espiga Verde a Jia Zhang-ke con Caught by the Tides, de la que como he mencionado fue la única que no pude acabar de verla entera.

Espiga Arcoíris al director rumano Emanuel Pârvu

THE END

Seminci 2024

 Arranca la 69ª edición de la SEMINCI en el segundo año de José Luis Cienfuegos al frente 

Un día más de duración, un rediseño del logo para el certamen, una nueva sintonía compuesta por el vallisoletano Javier Vielba, que pertenece a la banda Arizona Baby, o la nueva sección Constelaciones son algunas de las novedades con impronta de la nueva dirección

Cartel de la Seminci 2024

Dice el refrán "A rey muerto, rey puesto" para indicar  la prontitud con que se suceden los cambios. Y eso parece que está ocurriendo, al menos en ciertos aspectos de márketing, en la Seminci durante el segundo año de su director, José Luis Cienfuegos, tras el relevo de Javier Angulo. 

El festival de cine de autor español por antonomasia transcurrirá este año del 18 al 26 de octubre, tiempo en el que se podrán ver más de 200 películas entre largometrajes y cortos. El primer cambio lo tenemos en la duración, puesto que esta 69ª edición comenzará un día antes de lo habitual, por lo que Valladolid volverá a tener nueve días de cine. Otro cambio, ya iniciado el año pasado, es separar los cortometrajes que se proyectaban con los largos durante el evento. Ahora se harán tres pases al público, pero en una sección propia. 

De la nueva sintonía de Vielba que se escuchará como cortinilla al arrancar las proyecciones, juzguen ustedes si les gusta:

https://www.youtube.com/watch?v=BDivj5S0WPU

Si miramos con detenimiento la programación, podemos confirmar que es "un programa muy completo y heterogéneo, para todo tipo de públicos. Seminci satisface a todo tipo de espectadores, desde los más jóvenes hasta las familias, los mayores o los aficionados al cine en general. Cada cinéfilo puede elegir de la programación lo que más le interesa y crear su propio festival" comentó el alcalde de Valladolid en la presentación de esta edición.

Las secciones Punto de Encuentro, la paralela a la Oficial, que este año ofrece 18 títulos muy atractivos, Tiempo de Historia, documentos sobre la problemática presente y sobre las huellas del pasado con 15 obras, Alquimias, para obras de carácter sorprendente o Memoria y Utopía, con diez obras recientemente restauradas como son Deprisa, deprisa de Carlos Saura, conforman básicamente el menú seminciano. Sin olvidar, claro está, la tradicional mirada retrospectiva de la cosecha de un país, y que este año le toca a Alemania con 17 títulos.

Otra novedad de este nuevo ciclo de Seminci es el cine fantástico y de terror, que logra hacerse hueco en la programación gracias a la colaboración del Festival Pucela Fantástica (PUFA). La noche del viernes 25 de octubre, los aficionados a este género tienen una cita para disfrutar de dos títulos inéditos en salas españolas, Mads, de David Moreau, y Azrael, de E. L. Katz, y compartir después sus impresiones y su pasión por este tipo de cine.

Cine español en Sección Oficial

Queda evidente que la organización ha reforzado su compromiso con el nuevo cine independiente y autoral español este año. 18 títulos se reúnen en todas las secciones competitivas hasta el punto de que alguien, con cierta sorna, hablaba de un Málaga II (por aquello de que la provincia malagueña buscó su nicho en el cine español). 

Cinco películas españolas a concurso y otras dos fuera de él conforman el nutrido cine español en esta sección principal. Ahí tenemos el regreso de directores con una cierta filmografía ya consolidada, donde destaca Javier Rebollo, que nos presenta En la alcoba del sultán, filme rodado en 35 mm y todo un homenaje al nacimiento del cine; Mar Coll, con Salve María, inspirada en la novela Las madres no de Katixa Agirre, que aborda en un desasosegante drama con elementos de thriller la experiencia radical de ser madre; o Carlos Marques-Marcet, que inaugura la 69ª edición con su Polvo serán, protagonizada por Ángela Molina, Alfredo Castro y Mónica Almirall en una historia de amor incondicional que propone un viaje emocional sobre la decisión de morir a través de la comedia y el drama.  

Polvo serán será la película que inaugure la Seminci

Destacamos también los debuts en la ficción de dos mujeres con una destacada trayectoria en otros ámbitos, como la actriz Marta Nieto con La mitad de Ana, sobre los conflictos de identidad de Son, una hija que confiesa a su madre que no se siente niña sino niño; y la productora Elena Manrique con Fin de fiesta, comedia que encierra una crítica mordaz sobre las relaciones de poder en el s. XXI entre las distintas clases sociales.

Los cinco títulos mencionados competirán por la Espiga de Oro. Junto a estas obras y fuera de concurso, se programarán los estrenos en la dirección de dos actrices con brillantes carrera en el cine y el teatro, respectivamente: Paz Vega con Rita y Carolina África con Verano en diciembre. Sus debúts abordan, al igual que La mitad de Ana y Salve María, historias sobre mujeres de distintas generaciones inmersas en encrucijadas vitales y cómo el peso de la familia influye en sus decisiones. En ambos casos, nos ofrecen algunas de las intérpretes más populares del cine español en registros nunca vistos hasta ahora: Paz Vega, Paz de Alarcón, Carmen Machi, Bárbara Lennie, Victoria Luengo, Irene Escolar o Silvia Marsó, junto a los actores Roberto Álamo, Antonio Resines y Nacho Fresneda.

Resto de la Sección Oficial

En la Sección Oficial hay 26 películas programadas, 22 a concurso, siendo 19 obras extranjeras y 7 nacionales. Esta selección proviene fundamentalmente de la Oficial de Cannes, tres, otros tres largometrajes de Un Certain Regard, y sendas películas de las secciones Quincena de Cineastas y Prèmiere; de la Oficial de Venecia, cinco obras; de Berlín se han escogido tres películas y otra de la Sección Panorama; de Toronto, tres, y, por último, de los festivales Locarno y South by Southwest sendos filmes.

La Seminci redobla su apuesta por el nuevo cine  independiente americano, tanto en sus secciones competitivas como a través de la celebración de una retrospectiva que abordará la obra de Nathan Silver, con cinco de sus largometrajes entre ellos su ultima película Between the Temples. Los autores seleccionados en la Oficial son Tracie Laymon con Bob Trevino Likes It y Tyler Taormina con Christmas Eve in Miller's Point. Ya veremos si uno no siente demasiado el asiento viéndolas. 

La clausura también es norteamericana. Sing Sing dirigida por Greg Kwedar será la que cierre la 69ª edición de Seminci. Protagonizada por Colman Domingo, explora la reinserción social y el poder transformador del teatro para humanizar y sanar, ofreciendo una visiòn profundamente humana de la vida tras las rejas del centro penitenciario de Sing Sing.

Sing Sing del norteamericano Greg Kwedar, fuera de concurso, clausurará el certamen

Grandes autores del cine europeo e internacional competirán por la Espiga de Oro. Así trabajos de cineastas como los franceses Olivier Assayas, con Tiempo compartido, y Alain Guiraudie que trae Misericordia, o el portugués Miguel Gomes, cuya Gran Tour logró en Cannes el premio a Mejor Dirección; también destaca el chino Guan Hu, que con Black Dog logró el premio en Un Certain Regard en Cannes, y, señalar también a la griega Athina Rachel Tsangari que pondrá a prueba la paciencia del espectador con Harvest.

Más interés me despierta la italiana Maura Delpero con Vermiglio, flamante Gran Premio del Jurado en el recién celebrado Festival de Venecia, drama de época que presenta el retrato de una familia a las puertas del fin de la Segunda Guerra Mundial.

Junto a ellos, la Sección Oficial programará en competición las óperas primas de la directora griega Ariane Labed, (Septiembre dice), el noruego Halfdan Ullmann Tøndel -nieto de Liv Ullman e Ingmar Bergman- (Armand) y la francesa Agathe Riedinger con Diamante en bruto. Fuera de concurso, Michel Hazanavicius, otro de los grandes nombres del cine internacional pero que desde The Artist no levanta cabeza, presentará fuera de concurso su película de animación The Most Precious of Cargoes.

Coproducción entre México y Estados Unidos, La cocina del director mexicano Alonso Ruizpalacios es una adaptación libre de la obra teatral de Arnold Wesker. Protagonizada por Rooney Mara y Raúl Briones, el filme se desarrolla en la cocina de un famoso restaurante en el corazón de Manhattan, retratando a esos trabajadores invisibles que llegan a Estados Unidos en busca del "sueño americano".

The Brutalist será uno de los platos esperados en la Seminci 2024

Uno de los títulos que más expectación ha creado entre los cinéfilos, y que la organización no confirmó hasta entrado octubre cerrando así la lista definitiva a concurso, es la película protagonizada por Adrian Brody y Felicity Jones, The Brutalist de Brady Corbet. Su director logró en el pasado Festival de Venecia el León de Plata a Mejor Director y tuvo excelentes críticas. Narra en 215 minutos la historia del exiliado judeo-húngaro Lásló Toth, que consigue llegara a Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial y logra tener éxito como arquitecto gracias al apoyo económico de un empresario. Como ven la figura del arquitecto se ha puesto de moda (véase la reciente película de Coppola). 

Por último, mencionar las tres que completan la sección: la iraní Mi postre favorito, el largometraje noruego Sex y la rumana Tres kilómetros al fin del mundo.

Espigas de honor 

En 2024, Seminci concederá dos espigas de honor a reconocidas figuras de la cinematografía española. Una póstuma, a la guionista y directora de cine y televisión Patricia Ferreira, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2024, y directora de, entre otras, Sé quien eres, El alquimista impaciente, Los niños salvajes y Thi Mai, rumbo a Vietnam. 

Junto a la socia fundadora de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), el Festival reconoce el trabajo del actual director de la Academia de Cinematografía de España Fernando Méndez-Leite. Exdirector general de Cine (ICAA) y fundador de la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid (ECAM), ha ejercido como crítico, autor, director de programas culturales y realizador de ficción y documentales. 

Además, el director iraní Mohammad Rasoulof (La vida de los demás, Oso de Oro en el Festival de Berlín) recogerá el 23 de octubre la Espiga de Honor que Seminci le otorgó en 2018 y no pudo recoger al permanecer en arresto domiciliario, impuesto por el régimen iraní. En 2024, tras ser condenado a ocho años de prisión y flagelación por delitos contra la seguridad nacional, ha decidido abandonar Irán. Tras la ceremonia de entrega de su reconocimiento se proyectará en una sesión especial La semilla de la higuera sagrada, premio especial del Jurado y de la crítica en el Festival de Cannes. 

Constelaciones, nueva sección 

La semilla de la higuera sagrada, del iraní Mohammad Rasoulof. El 23 de octubre recogerá la Espiga de Honor que la Seminci le otorgó en 2018 y que no pudo recogerla por estar en arresto domiciliario impuesto por el Gobierno iraní.

Entre las novedades de programación de la era de Cienfuegos, una es Constelaciones, una nueva sección que se incorporará a Seminci este año. Este apartado no competitivo enriquece aún más la calidad de los títulos internacionales proyectados en el Festival, al brindar un espacio a cineastas que presentaron sus películas en pasadas ediciones y cuentan este año con nuevos trabajos. Desde A Different Man, de Aaron Schimberg, por la que Sebastian Stan ganó el Oso de Plata al mejor actor, a Bird, de Andrea Arnold; además de las últimas películas de Costa-Gavras, El último suspiro, una emotiva película sobre una muerte digna, y Mi única familia, de Mike Leigh, en la que vuelve a trabajar con Marianne Jean Baptiste, una de las protagonistas de Secretos y mentiras, la película con la que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1996. Completan esta sección dos de las propuestas que mejor han sido recibidas este año: La semilla de la higuera sagrada, de Mohammed Rasoulof, y Emilia Pérez, de Jacques Audiard.

Proyecciones especiales 

La programación cinematográfica de la 69ª edición acerca al espectador a propuestas más allá del abanico de las secciones competitivas, retrospectivas y fuera de concurso. 

Las proyecciones especiales abarcan una oferta de varios títulos destinados especialmente a las familias, así como esperadas producciones tanto españolas como internacionales. A las ya anunciadas, como El llanto, del vallisoletano Pedro Martín-Calero, reciente Concha de Plata a la mejor dirección, se unen el cortometraje documental Siempre+Positivo, de Nacho Solana, protagonizado por Louis Van Gaal, que narra la experiencia con el cáncer del entrenador holandés del Barça. 

El viernes 25, Antón Álvarez, más conocido como C, Tangana, acudirá a Valladolid para presentar al público su debut como realizador. Muy bien acogida por la crítica, La guitarra flamenca de Yerai Cortés sigue con su cámara al músico flamenco y proporciona una radiografía compleja de su trágica historia familiar. Documental musical que se revela como un emotivo retrato de un artista que toca la vena de lo íntimo, a la vez que temas sobre la identidad, las relaciones interpersonales y el racismo hacia la comunidad gitana.

La muchacha de Londres (Blackmail, 1929) de Alfred Hitchcock se proyectará en el Centro Cultural Miguel Delibes con música sinfónica

Especial será también el concierto-proyección de la película muda La muchacha de Londres (Blackmail), de Alfred Hitchcock. Siguiendo la estela de ediciones anteriores, gracias a la colaboración de la Junta de Castilla y León, esta película revivirá el viernes 25 de octubre en el Centro Cultural Miguel Delibes, casi cien años después de su estreno. El director de orquesta estadounidense Timothy Brock, especialista en representaciones en vivo de películas mudas, llevará la batuta de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL), a partir de la partitura creada en 2008 por el compositor británico Neil Brand para esta película, partitura que se inclina hacia la tonalidad de Bernard Herrmann, el compositor habitual de la etapa sonora de Hitchcock, y Miklos Rozsa. Para Brand, la versión silente de La muchacha de Londres era la mejor película muda británica de todos los tiempos. Apuntar la curiosidad de que siendo producida en 1929, el año en que  irrumpió el cine sonoro, los productores británicos decidieron convertirla en sonora. Se convirtió así en la primera película hablada de Alfred Hitchcock y la primera del cine inglés. Según el director inglés, "la ventaja que aportó el sonido al cine fue la capacidad de complementar el realismo de la imagen cinematográfica. No era lógico que un coche circular en silencio. Era como si todos los espectadores fueran sordomudos", comentó en un entrevista con Peter Bogdanovich.

Fotos (II) del Zinemaldia 2024

19 imágenes del 72ª Zinemaldia que mi pupila registró con la cámara 

Foto 1. - Llegada del director británico Mike Leigh de 81 años al Kursaal 1. 

El jueves 26 de septiembre presentaba en la Sección Oficial "Mi única familia" (Hard Truths). La vida de una mujer (espléndida y a la vez asesinable Mariane Jean-Baptiste) que arrastra una amargura vital contra todo y contra todos por tener la familia que tiene (también asesinable).

Recuerdo su "Secretos y mentiras" (Palma de Oro) o "Another Year", obras muy superiores a la que presentó en San Sebastián. Se fue de vacío. Muchos lo lamentaron. No fue mi caso.

¿Se preguntan lo mismo que yo? Bueno, la película no tiene mucha acción, con planos estáticos. Acorde a los 81 años del maestro inglés.

Foto 2. - Pedro Almodóvar concitó la mayor expectación de esta edición en la sala de prensa del Kursaal el día en que recibía el Premio Donostia, 26 de septiembre.

El día anterior fue su cumpleaños: 75 años. Le gusta estar bien acompañado, sobre todo cuando tiene que promocionar su última película. En esta ocasión "La habitación de al lado", el primer largometraje en inglés con el que logró el León de Oro en la pasada edición de Venecia. Y lo veremos en los Oscar.

De izq. a dcha: Raúl Arévalo, Victoria Luengo, P. Almodóvar, Tilda Swinton, Juan Diego Botto y Melina Matthews 

Foto 3. - Johnny Depp presentó el 24 de septiembre su segunda película como director, "Modi, Three Days on the Wing of Madness".

Depp le debía una al director del Zinemaldia, José Luis Rebordinos, pues "habéis creído en mí cuando nadie creía" (en referencia a las acusaciones de su exmujer, Amber Heard, al que había acusado en las páginas de The Washington Post de violencia doméstica). Rebordinos siempre ha aplicado una máxima: siempre que no haya una condena judicial, las puertas del Festival estarán abiertas en aplicación de la presunción de inocencia. La película que trajo en esta edición tenía un cierto aroma de "revancha", de sacarse los fantasmas del pasado en la figura del pintor italiano Modigliani.

Johnny Depp "parece" cortejar a Antonia Desplat, la musa del pintor Modigliani (interpretado por el actor Riccardo Scamarcio)

Foto 4. - El sino de estos tiempos: Johnny Depp siendo capturado por un dispositivo móvil en la rueda de prensa de presentación de su obra "Modi". Lo de menos son sus declaraciones, ¿o no?

Estuve a punto de pedirle el número de teléfono. No a Depp, sino a la señorita que portaba ese móvil. Pero me arrepentí, las chicas de última generación no son compatibles con mi sistema operativo.

Fotos 5. - ¿Quién le iba a decir a su director Pedro Martín-Calero que con su ópera prima, obra del género de terror, titulada "El llanto" iba a lograr ex-aequo el Premio Mejor Director? 

En la foto de la derecha, está la coguionista, Isabel Peña, presente en la escritura de un puñado de buenas películas ("Que Dios nos perdone", "As bestas" o la magnífica serie "Antidisturbios"). Aquí parece que se sorprenda de que alguien le dijera que la película no debería estar en la Selección Oficial por floja (no ocurrió, pues la prensa está domesticada). Me quedé con las ganas de decírselo.

Director de "El llanto", muy alegre

Isabel Peña, coguionista de "El llanto"

Foto 6. - Javier Bardem, el actor español de mayor reconocimiento internacional con más de un centenar de galardones: Óscar, Globo de Oro, Bafta, Goyas, mejor actor en Cannes, dos Copas Volpi en Venecia... Me canso. 

Tenía una Concha de Plata lograda en 1994 por sus interpretaciones con tan sólo 25 años en "Días contados" (1994) de Imanol Uribe y por el "El detective y la muerte" de Gonzalo Suárez. El año pasado no pudo recoger el Premio Donostia por la huelga estadounidense de actores y guionistas de Hollywood. El pasado 20 de septiembre acudió a San Sebastián a recoger el galardón que ya tenía telarañas. Y contó la siguiente anécdota sobre su madre, Pilar Bardem.

"No teníamos casi nada. Era una mujer separada, en una época en la que no se permitía el divorcio, tres hijos, actriz, poco menos que llamada prostituta y perseguida por una derecha terrible y presente en las calles. Trabajaba sin parar para darnos chuletas de cerdo y pasta con tomate... los días que había suerte. Pero llamaban a la puerta cada equis tiempo y abríamos. Eran unas personas que recaudaban dinero para el derecho de las mujeres saharauis. Y mi madre daba la mitad de lo que tenía en casa. Y, claro, mi hermano -yo era más pequeño- la miraba y le decía: «¿Qué cojones haces si no tenemos ni para comprar leche!». Mi madre estaba ahí dando lo que tenía que dar a las personas a las que tenía que dárselo. Bueno, pues eso lo mamas, eso lo ves. No se enseña desde lo didáctico, sino desde la acción. Y eso es lo que nos representa como seres humanos: por lo que hacemos, no por lo que decimos. Y en ese sentido, no solo soy el hijo de Pilar, sino que espero morir siendo el hijo de Pilar y nada más que el hijo de Pilar".

 

Javier Bardem recoge el Premio Donostia a su carrera: Viendo lo que sucede en Oriente Próximo con el conflicto entre Israel y Palestina, extendiéndose cada vez más por la zona, en este día de hoy "no me permite celebrar el premio. Lo recibo con muchísimo agradecimiento pero no tengo un espíritu de celebración".

Foto 7. - El Kursaal sede principal del Zinemaldia. Los pájaros son atraídos por el sol, al igual que los espectadores por la pantalla de luz.

El público aguarda bajo un sol de justicia a que se asomen las estrellas cada día, que este año fue amplia: Depp, Bardem, Blanchet, Swinton, Sbaraglia, Gia Coppola, López Arnaiz, Lottin, Edward Berger, Andrew Garfield...

Foto 8. - Leonardo Sbaraglia presentó una de las pocas comedias de la sección oficial: "El hombre que amaba los platos voladores" del argentino Diego Lerman.

Teñido de rubio en el papel del periodista José de Zer, Sbaraglia nos lleva a la región argentina de La Candelaria a la búsqueda de señales (y si no las halla se las inventa) de  presencia alienígena. Cuentan que fue uno de los reportajes más famosos en la historia de la televisión argentina en los años ochenta.

Seguro que Iker Jimenez ya lo habrá abordado en algún episodio de sus 20 temporadas en Cuarto milenio. Me hizo sonreír, entre una temática festivalera repleta de eutanasias, depresiones, enfermedades terminales o acoso laboral entre otros temas euforizantes.

Foto 9. - Cate Blanchett fue una de los dos personalidades en recibir el Premio Donostia en esta edición. 

Como suele ocurrir (casi) siempre, la protagonista élfica Galadriel a sus 55 años presentaba película (fuera de concurso): "Rumours", dirigida por tres pares de manos (Evan y Galen Johnson y Guy Maddin). Creo que se liaron con tantas manos a la hora de escribir un guion que pretende ser cómico pero que acaba siendo patético y de una candidez sonrojante. Trata sobre una cumbre del G7 en la que se reúnen los siete líderes de las democracias liberales más ricas en un apacible bosque. Huyan.

Pregunté a la representante de Cate Blanchett qué era lo que contenía ese vaso con líquido turbio en la creencia de que contenía la pócima para estar tan joven a sus 55 añitos. No me lo quiso decir, la muy...

Foto 10. - Era la única película asiática a concurso y me la perdí: "Bound in Heaven" de la directora china Xin Huo.

Dicen los que la vieron que gustó mucho. Y al Jurado también, por lo menos le otorgaron el Premio Mejor Fotografía y también obtuvo el Premio Fipresci. El argumento no me motivaba, la verdad. Narra la historia de un enfermo terminal y una mujer atrapada por la violencia. Es la historia de un amor que sobrevive a los estragos de la muerte y un fugaz destello de vida entre sus sombras.

Me temía que la china "Bound in Heaven" se llevaría algo, así que corrí como loco a la sala de prensa y en chino mandarín le dije al protagonista: 米拉 · 帕哈里托. ¡¡¡Y me hizo caso!!!

Foto 11. - Pilar Palomero, directora, y la protagonista, Pilar López Arnaiz, de "Los destellos". La actriz ganaría el Premio a Mejor Interpretación Protagonista.

"Los destellos" estaba en la mayoría de las quinielas de los críticos. Una voz en la sala de prensa del Kursaal parece predecir que Patricia (obsérvese su rostro) tendría recompensa. Y así fue. Encarna a Isabel, que lleva años separada de su ex y tienen una hija en común. Esta le pedirá que visite a su padre Ramón (Antonio de la Torre) ya que se encuentra gravemente enfermo. ¿Será capaz de afrontarlo?

El filme de Pilar Palomero adapta el relato de Eider Rodríguez, "Un corazón demasiado grande" donde el Amor con mayúsculas vence a pesar de las desavenencias que provocaron la ruptura de un matrimonio

Foto 12. - No es mi hija pero podría serlo. Tal vez recuerden a la joven actriz Andere Garabieta, la hermana mayor de Coco en "20.000 especies de abejas". 

Uno de los aspectos más agradables del Zinemaldia es encontrarte por el Casco Viejo, al cruzar el puente de la Zurriola o sentado junto a ti en el Teatro Principal a actores y directores vascos. Este fue el caso. Me dijo: "¿Puedo hacerme una foto con tan prestigioso crítico de cine?". Creo que me confundiría con el difunto Carlos Pumares o con el aún vivo Carlos Boyero. No quise aclararle que no era ninguno de los dos.

Foto 13. - La Concha de Oro se la llevó un documental taurino: Tardes de soledad. Desde 2018 no ganaba una cinta española. Es la primera vez que un documental gana semejante premio.

La cornamenta que se ve en el margen superior izquierdo de la foto son mis dedos. La fotografía creo que ilustra bien la soledad del director, Albert Serra, que no estaba seguro de si triunfaría en un ruedo tan poco taurino como el Zinemaldia donostiarra. 

Foto 14. - Una de mis fotos clásicas en el Festival es fotografiar el escaparate de la librería Hontza en la calle Okendo, frente a la trasera del Teatro Victoria Eugenia.

Ya va quedando menos la tradición de engalanar los escaparates con motivos cinematográficos. La librería Hontza todavía adorna su pequeño escaparate en esta ocasión con imágenes del Premio Donostia a Cate Blanchett y al pie libros relacionados con el Séptimo Arte. Este año no compré. Y bien que lo siento.

Foto 15. - Foto robada o fotorreporterismo. Una instantánea que refleja la ardua labor que debe afrontar el crítico tras el visionado de una buena película.

Descubrí después que escribía una carta de despedida a su mujer tras veinte años de matrimonio. Me dijo tras invitarle a una copa: "Pensé que me llevaría varias hojas plantearle la separación, pero tan sólo lo resumí en una sola línea". Y tras lo cual, me la enseñó.

Foto 16. - Foto de escaparatismo. Marilyn Monroe siempre fue mi sex symbol. Lástima que la señora de la derecha no estuviera de cine. Como (casi) siempre el sueño del cine se impone a la cruda (y repugnante) realidad.

Foto 17. - La ópera prima de la directora portuguesa Laura Carreira, "On Falling", tuvo su recompensa merecida con el Premio ex-aequo de Mejor Director.

Oigo en la radio que el gobierno portugués está pensando en disminuir los impuestos a la juventud lusa durante diez años desde que empiezan a trabajar. La medida trata de parar la sangría de los jóvenes que emigran a otros países con mejores condiciones fiscales. Que se lo digan a Aurora, la mujer protagonista, que trabaja en un almacén tipo Amazon en Escocia. Atrapada entre los muros de su centro de trabajo y la soledad de su piso compartido, tratará de resistir al duro aislamiento en un país extranjero sin vínculos emocionales que la sostengan.

Foto 18. - Siempre pensamos en el glamour pero nunca en que la base de la pirámide del Festival está sostenida por los humildes trabajadores de la limpieza.

Les juro que el operario había encontrado una entrada sobre la moqueta roja, abandonada por algún acreditado. Las cámaras la detectaron y él salió rápidamente en su vehículo bípedo para recogerla y "analizarla". Comprobó que, efectivamente, era una entrada, pero algo le hizo torcer el gesto: se  trataba de una entrada del año pasado. Raro.

Foto 19. - No es José Luis Rebordinos un torero que se achante. Cada vez que sale un mihura, Rebor no tiene ningún problema en sacar el estoque y entrar a matar. Cada año salva alguna empitonada.

Este año no iba a ser menos. La tarde del 23 de septiembre el Zinemaldia programaba en la Sección Oficial "Tardes de soledad" de Albert Serra. Al percatarse que el contenido de tal documental era de temática taurina, un nutrido grupo de una docena de manifestantes acudían al Kursaal para protestar. Pertenecían al Pacma y a Podemos Euskadi. Algún cartel señalaba: "Zinemaldia blanquea la tortura. Cómplice del maltrato animal". Seguro que habían visto previamente la obra de Albert Serra.

José Luis Rebordinos, director del Zinemaldia, ante una rueda de prensa improvisada

Foto 20. - Se cierra la edición 72ª del Festival Internacional de Cine de San Sebastián

Siempre que se cierra una puerta, uno tiene la esperanza de que se abra otra. Será otra edición más, con un año más y con más achaques. Si uno encuentra la película con la que enamorarse, nada habrá sido en vano. Y la película de la que me he enamorado es...

Foto 21. - «PARTHENOPE» DE PAOLO SORRENTINO

El filme de Sorrentino relata la vida de Parthenope (Celeste Dalla Porta) desde su nacimiento en 1950 hasta el presente. Mujer a la que no merece Nápoles. Una reflexión sobre el deseo. El director de “La gran belleza” y “La juventud” vuelve a dar una nueva vuelta de tuerca a sus obsesiones: la belleza, el fútbol, Nápoles, la juventud perdida, el sentido de la vida, la religión y los amores.

El 47, autobús que no llega al extrarradio

Torre Baró es Barcelona

Estimado primo S.:

Antes de que fuera al Zinemaldia me preguntaste por El 47, la película de Marcel Barrena. Te contesté que no la había visto, así que no podía decirte nada. Querías verla y antes de hacerlo, me solicitabas mi opinión. Bueno, te dije, en cuanto regrese de la guerra de proyecciones me aventuro a verla y te comento. Una palabra dada es ley en el País Vasco. Ayer, en un día desapacible en lo meteorológico, me fui a verla aprovechando que los miércoles es más barato.

 

Los cines Getxo Zinemak del Puerto Deportivo de Getxo. 

El 47 se estrenó el 6 de septiembre de 2024. En un mes en cartelera lleva recaudado un millón ochocientos mil euros y la han visto 263.000 espectadores. ¿Un milagro? Casi. Hoy en día, un milagro es que un millón de asistentes acudan a verla; medio milagro, medio millón. Así que la película de Barrena está obrando el cuartillo de milagro. Estoy convencido de que todo este éxito les ha pillado de sorpresa; vamos, que no esperaban tal aceptación.

Como supongo que ya la habrás visto, no te desvelo nada si te cuento que El 47 narra la vida de un extremeño, Manolo Vital (Eduard Fernández), que junto a tantos emigrantes de otras regiones de España tuvieron que emigrar en busca de un sustento a tres zonas que, por los 50 en adelante del pasado siglo, estaban más industrializadas y ofrecían más oportunidades de mejora de vida: Cataluña, Madrid y País Vasco. Así empieza la película, con un dato que a muchos les parecerá peregrino: había una ley de por entonces que señalaba la imposibilidad de tirar abajo una construcción si esta ya tenía techo al amanecer. 

Uno de los planos que conserva todavía mi retina es ver a los picoletos encabalgados o andando hacia el incipiente barrio de Torre Baró en Barcelona junto a una cuadrilla para echar abajo las construcciones de viviendas (chabolismo) que no tuvieran tejado. Las han construido gente emigrante y humilde pero que han pagado por esas parcelas. Y vemos el sol ya por encima de la montaña, despertándose y despertando la maquinaria autoritaria y "legal": como no están techadas, el guardia civil, de orígenes andaluces creo recordar  y magníficamente interpretado por Vicente Romero, manda derruirlas. 

Lástima que el antagonista salga tan poco. En la primera confrontación le pregunta al que parece el líder del grupo que quiere asentarse "detrás de la montaña de Barcelona", Manolo Vital:

—¿De dónde es usted? —le pregunta.

—Soy de Valencia de Alcántara, provincia de Cáceres.

—¿No había espacio suficiente allí para vivir?

Manolo tiene una idea para que al día siguiente todo el esfuerzo de aquellas humildes gentes no se vaya al garete. Les propone que, en lugar de levantar cada uno su propia vivienda, empiecen con una. Así les dará tiempo a techarlas. Y la suspicacia, que es enemiga de toda solidaridad en un colectivo, aflora. Alguien pregunta que por la casa de quién empezarán. Y Manolo le responde con convicción solidaria: por la tuya. El ayudarse era algo que entre todo vecino era habitual. Vete tú ahora a pedir sal al vecino que ni siquiera conoces. Eso se ha perdido. Tal vez porque ya no nos necesitamos el uno al otro.

Lástima que el personaje de Romero, el guardia civil, quede en tres intervenciones apenas. Y ese es problema de guion, que durante los 110 minutos va dando retazos de una época pero que no contribuyen a armar un verdadero armazón dramático que haga que la película tenga mayor interés. Hay pequeñas historias paralelas que, aunque den nota de color, como el personaje de la hija, la esposa ex monja y su vocación de maestra en Torre Baró, el incendio en una casa, el vecindario, etc. no contribuyen a una vertebración de lo que nos importa: la llegada de los servicios públicos a los extrarradios. El hecho que da pie al título, el secuestro del autobús de la línea 47 por parte de Manolo Vital, autobusero de profesión, ocupa la parte final, pero en mi opinión se queda en una anécdota, insuficiente para insuflar mayor interés a la historia de reivindicación vecinal y de lucha por la dignidad.

Porque de eso se trata El 47, de la dignidad de unos inmigrantes que tratan de integrarse en una sociedad catalanoparlante, excluyente y clasista. De eso, Marcel Barrena apenas da apuntes, pues sabe muy bien que no ha de incomodar a nadie, salvo a Franco y al régimen franquista (ese monumento que es arrollado por el autobús al inicio de la cuesta que lleva al barrio de Torre Baró). Manolo Vital en su periplo por la burocracia administrativa recibe una contestación que vislumbra lo que para los ciudadanos de primera suponían los inmigrantes que venían a trabajar, a labrarse un futuro, a mejorar (la esposa de Vital incluso quiere alquilar un piso en el centro barcelonés con agua caliente y luz): "¿Usted para qué quiere que un autobús vaya a esa barriada de Torre Baró?". Y Manolo le responde: "Para que mi mujer o cualquier vecino pueda llegar a su casa". La respuesta, mi querido primo, evidencia a todas luces que en los 70 de aquella época había ciudadanos fantasmas: los desarraigados inmigrantes. Aquellos que, habiendo tenido que dejar sus vínculos afectivos y el terruño, veían que en el nuevo paraíso no eran nada, invisibles. Sin embargo, los extremeños, gallegos, castellanos u andaluces tuvieron el tino de acudir a aquellos lugares donde había trabajo. Y por eso pudieron salir adelante muchos de ellos. Dar una mejor vida a ellos y a sus descendientes.

Cola de espectadores en el interior de Getxo Zinemak del Puerto Deportivo de Getxo

Los tiempos de hoy han cambiado. Ahora te vienen  de culturas, creencias religiosas y con lenguas distintas. Y no precisamente a trabajar muchos. No tienen  nada. Tienen la suerte de que hay un estado del bienestar que en los setenta del s. XX estaba en mantillas. Ahora las cosas son distintas pero los problemas de integración son mayores. Serán mayores.

No quiero desviarme, primo. Tan sólo recordar otra escena que me parece destacable. Es Manolo Vital que parece estar ensayando su reivindicación y ,al abrir el plano, le vemos que está en el puesto del alcalde del Ayuntamiento de Barcelona. Algunos políticos entran en el salón de plenos y uno le pide que le traiga una vaso de agua. Le confunden pues no pueden imaginar que un autobusero pueda llegar hasta allí en busca de una petición legítima: servicio de autobús para una barriada del extrarradio barcelonés. Costaba acercarse a la autoridad. Porque en aquella época, la autoridad era mucha autoridad (recuerda las escenas en que Manolo tiene que ensayar su discurso sobre qué y cómo debe pedir su reivindicación). No como ahora, en la que cualquier mindundi demagogo, inculto, vocinglero y arribista puede llegar a ser concejal, alcalde, ministro o...

Salíamos de una dictadura, primo, donde la palabra reivindicación no estaba en el diccionario de los ciudadanos. De ahí que las pintadas en las fachadas se convirtieran en los gritos de la ciudadanía que no tenían de casi nada: ni luz, ni agua corriente, ni escuela (recuerda el autobús que ejerce de aula de el Torre Baró) ni servicio médico. Recuerda el Seat seiscientos abandonado al inicio de la cuesta al barrio con una pintada: Torre Baró también es Barcelona.

En fin, a mí me ha parecido que la producción de Mediapro está realizada con poco dinero. Y eso se nota  para mal. La labor de dirección artística no me parece que contribuya a darle un mayor empaque de verismo a la historia. Es loable, por contra, el uso de imágenes de la época en color y formato 4:3 que le dan una pátina documental. No olvides, mi querido primo, que el barcelonés Marcel Barrera había realizado antes de lograr éxitos en la ficción (100 metros y Mediterráneo), labores documentales. Tal vez, tú que vives en El Carmelo, otrora extrarradio y como dice Juan Marsé “barrio que es una ensalada picante de varias regiones de varios países”, la hayas disfrutado con mayor emoción nostálgica que yo. Y eso que ganas como espectador que apela a tus orígenes. 

Una espectadora contempla el cartel de la película que va a ver

Como testimonio de una época, me parece suficiente pero como película, como obra artística, creo que no es nada del otro jueves. La vi con gente mayor, de 45 años en adelante. Esa es la clave de su éxito. Hay un público que desea revivir una época de reivindicaciones de la izquierda, de peticiones que mejoraban la vida de la gente, porque eran necesidades justas, vitales y de justicia. Las mismas que ahora (ironía “on”).

A la espera de que Correos te haga llegar pronto esta carta, recibe un fuerte abrazo de tu primo y felicita el cumpleaños a mi tía.